Provincia Cosmica. Intervista a Giuseppe Stampone, l’artista che ha scelto il Gran Sasso come casa 

Peso massimo dell’arte contemporanea italiana, Giuseppe Stampone (Cluses, 1974) è tornato nel “suo” Abruzzo dopo anni spesi tra New York, Roma e Bruxelles: in seguito alla perdita dei genitori, l’artista – una delle figure più apprezzate e trasversali del panorama nazionale – ha deciso di fondare in provincia di Teramo il suo studio, portando avanti operazioni di partecipazione attiva e coinvolgimento del pubblico. La serie di opere dedicata al Gran Sasso condensa al meglio questa scelta di “ritorno a casa” e di racconto del luogo di origine.

Intervista a Giuseppe Stampone

Hai vissuto per anni tra Roma, New York e Bruxelles. Poi un giorno sei rientrato in provincia di Teramo. Cosa ti ha spinto a tornare a “casa”?
Quando nel 1996 ho finito l’Accademia di Belle Arti insieme a Maria Crispal, abbiamo deciso di fare un’esperienza fuori. Siamo stati alcuni anni a New York, poi siamo tornati in Italia, cinque o sei anni a Roma, e infine a Bruxelles, in Rue Saint-Georges. Sono state esperienze determinanti: ho conosciuto molti amici, artisti, curatori e collezionisti che mi hanno dato tantissimo. È necessario allontanarsi dal primo amore, anche da ciò che farà sempre parte della nostra vita.

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Da alcuni anni abbiamo acquistato un casale sotto il Gran Sasso che stiamo restaurando: diventerà la sede dell’Archivio Giuseppe Stampone-Maria Crispal e una residenza per artisti. Ospiterà la nostra collezione, composta da oltre duecento opere di artisti con cui abbiamo condiviso percorsi e scambi: penso a Marinella Senatore, Stefano Arienti, Michaël Borremans, Luigi Ontani e molti altri.

Il progetto si chiama Abruzzo Mon Amour. Due anni fa abbiamo vinto anche un premio PAC: qui nascerà un archivio dedicato alla flora e alla fauna dei territori dei Monti della Laga, del Parco Nazionale d’Abruzzo e del Gran Sasso.

Fin dall’inizio era chiaro che saremmo tornati: il nostro progetto di vita è creare una collezione partecipativa fondata sullo scambio con artisti che hanno fatto parte del nostro percorso e aprire un archivio che ogni anno accolga residenze dedicate alla tutela della natura, della flora e della fauna, e al rapporto tra uomo e ambiente.

1 / 3 Giuseppe Stampone, Emigrazione, Museo de Arte Moderno de Bogotà

2 / 3 Giuseppe Stampone, Saracinesca [] Flagellazione 1450, 2026

3 / 3 Giuseppe Stampone, Phallic erection, 2019, 230 × 210 cm

Il concetto di “casa” ha valore per te? Dopo tanti anni spesi in giro per il mondo, come ti relazioni a questa tema?
Rifletto spesso sul concetto di corpo. L’unica materia, l’unico volume che occupiamo sulla Terra è il nostro corpo: è la nostra casa. Parlo di “architecture of intelligence”: non un’architettura precostituita, una casa o uno studio, ma un’architettura che si forma attraverso esperienza e partecipazione. È un intreccio di mente, corpo, spazio e relazioni.

Ogni mattina, attraverso un’esperienza empirica, tattile e trasformativa, costruiamo la nostra casa, il nostro spazio intimo, pubblico e privato. Il corpo genera così un’“architettura dell’intelligenza” che, giorno dopo giorno crea un modo di abitare: tra e con gli altri.

Giuseppe Stampone e il rapporto con l’Abruzzo

Il tuo progetto vincitore del PAC2021, La natura delle cose, è un atto d’amore attraverso il quale fai i conti con la tua storia, ribadendo il tuo legame con i luoghi del passato. Che realtà hai trovato al tuo rientro in Abruzzo?
Mi imbarazza dare giudizi su un territorio con una storia così ricca. L’Abruzzo ha avuto esperienze importanti: dal MUSPAC dell’Aquila alle attività dell’Accademia dell’Aquila, tra le più sperimentali in Italia, con docenti come Fabio Mauri, Mario Ceroli e Achille Bonito Oliva; dalle mostre legate all’Arte Povera negli anni Settanta alla Fondazione Menegaz, attiva da oltre venticinque anni. Pescara è stata particolarmente attenta al contemporaneo, e anche Teramo è cresciuta grazie a fondazioni e collezionisti privati.

L’Abruzzo, “polmone d’Europa”, trova però la sua forza nella natura e nella qualità della vita. Ho trovato un privato dinamico, a differenza del pubblico: mancano musei e finanziamenti strutturati. Eppure questa scarsità ha reso l’arte più libera e autosostenibile, meno condizionata. Realtà come il MAXXI L’Aquila stanno facendo un ottimo lavoro, ma la differenza, storicamente, l’ha fatta soprattutto l’iniziativa privata.

1 / 2 Giuseppe Stampone, ABC dell’arte italiana, 2011

2 / 2 Giuseppe Stampone, La natura delle cose, 2023, Penna Bic su fotografia 40 x 30 cm. Photo Gino Di Paolo. Courtesy Museolaboratorio ex manifattura tabacchi, Città Sant’Angelo (PE)

“Più andavo in alto sul Gran Sasso e più andavo a fondo nella mia identità”, mi hai detto in un’intervista di qualche anno fa su Artribune. In cosa ti sei riscoperto nuovo nel tornare a casa?
Io e Maria Crispal, compagna di vita e di arte, ci siamo riscoperti nuovi tornando in Abruzzo dopo la morte dei miei genitori e durante la grave malattia di mia moglie. Ero lacerato da ferite che né Bruxelles, né New York, né Roma avrebbero potuto curare: dovevo tornare alla mia terra, sotto il Gran Sasso.

Ogni mattina, alle quattro, salivo con guide esperte e camminavo dodici o quindici ore. Ho percorso tutte le vette, dal Corno Grande al Corno Piccolo. La fatica, il silenzio, l’aria sottile, l’ossigeno e la solitudine ricucivano lentamente le mie crepe interiori. Spesso eravamo in due e non parlavamo mai: era la montagna a farlo.

In quel periodo c’era anche il Covid. Avevo perso i miei punti di riferimento, ma la montagna e l’arte mi hanno restituito respiro. Quando mi chiedevano come riuscissi a creare, rispondevo: respirando. Tornando all’esperienza, al corpo, alla natura. È lì che ho ritrovato identità e forza.

Il progetto “Global Education” di Stampone e Maria Crispal

Una delle principali azioni attraverso cui collabori con le comunità è Global Education, il programma educativo creato con la performer Maria Crispal, che dal 2012 crea occasioni di confronto “per la formulazione di un nuovo alfabeto e di un nuovo mondo”. Me ne parli?
Global Education è il progetto pilota di tutto il nostro percorso. Nato nel 2002 con Maria Crispal, è un’iniziativa pensata per scuole primarie, secondarie e aziende con l’obiettivo di promuovere un’alfabetizzazione partecipativa e orizzontale: l’io diventa noi, senza perdere l’identità individuale. È un atto di disobbedienza alla globalizzazione, all’omologazione e alla dittatura della velocità; recupera il “local” e il tempo intimo del fare, contro modelli imposti dall’alto come il carattere Gutenberg e la prospettiva rinascimentale, strumenti che hanno razionalizzato e gerarchizzato sapere e spazio.

Com’è strutturato il progetto?
Si articola in due filoni: Architecture of Intelligence, architettura corpo-mente-spazio costruita attraverso esperienza e partecipazione; e Global Education, dove parola e immagine nascono dalla riappropriazione del tempo e dalla scelta personale. Ogni territorio coinvolto sviluppa il proprio abbecedario e la propria architettura: non esistono modelli precostituiti, ma processi condivisi.

Dal 2002 collaboriamo anche con imprese come Marca Corona, Cooperativa Dolce e Buzzi Unicem. La futura sede-archivio ospiterà la scuola e le sue sezioni: architettura partecipativa, parola scritta e “ambassadorio” con un dizionario emotivo collettivo. Ma il progetto nasce anche da un’esperienza personale.

Ovvero?
Da bambino, dislessico e balbuziente, vissi l’abbecedario come imposizione e violenza simbolica. Disegnare e scrivere divennero fuga e resistenza. Da qui l’idea di un abbecedario partecipativo, dove ogni bambino sceglie lettere, parole e immagini per rappresentare sé e il proprio habitat. In antitesi alla città ideale gerarchica, proponiamo uno spazio orizzontale e condiviso.

Il concetto di periferia per Giuseppe Stampone

Perché si ha spesso l’impressione che le persone siano distanti dall’arte? È una visione reale o un luogo comune che continuiamo a raccontarci forse per convenienza?
Personalmente considero l’opera d’arte come un giocattolo che lascio nel mondo, e che l’essere umano può decidere se usare oppure no. Io penso che l’arte nasca dalla gente, ma che il risultato dell’arte non sia determinante per l’umanità: resta una possibilità, non una necessità.

Mentre l’arte coincide con l’umanità, l’opera d’arte se ne distingue: è un risultato soggettivo che viene poi oggettivato dalla storia. In altre parole: l’opera d’arte non è necessaria, l’arte sì.

In quest’ottica, che ruolo può avere un artista nel momento in cui sceglie di lavorare su territori marginali?
I termini “centro”, “periferia” e “margine” sono anacronistici oggi. Non esistono più un centro e una periferia secondo me. Sono parole che presuppongono una visione fallica e gerarchica del mondo, ereditata da un ordine prospettico che stabilisce un punto dominante e classifica persone e luoghi secondo categorie sessiste, capitaliste ed eurocentriche. Non viviamo più in quella dimensione verticale. Abitiamo un’epoca orizzontale, in cui le distanze si annullano. Io oggi vivo sotto il Gran Sasso: in poche ore posso raggiungere la Cina, New York o Delhi, e con un computer posso comunicare con una persona che abita in Alaska, al Polo Nord o in Papuasia.

Per questo diffido dai termini “centro” e “periferia”. Io non sento di lavorare ai margini: vivo nel mio habitat, unico e concreto, dentro una condizione di ubiquità. Questa è la dimensione che amo e questa è la parola che più mi rappresenta. Siamo in ogni momento, in ogni spazio, in ogni tempo.

Alex Urso