Davvero il futuro delle mostre è digitale? Rispondono 9 professionisti del mondo dell’arte
Cosa significa curare una mostra d'arte digitale? Quali sono le sfide da affrontare rispetto a una mostra tradizionale? Come sta evolvendo il mondo delle mostre? Prosegue con questa seconda puntata l’inchiesta di Artribune sul mondo delle mostre, coinvolgendo artisti, professionisti, curatori, storici dell’arte
Curare una mostra d’arte digitale significa innanzitutto ripensare il concetto stesso di spazio espositivo. L’opera può abitare luoghi non convenzionali: ambienti virtuali accessibili tramite visori, piattaforme online o metaversi. La natura tecnologica di queste opere impone una riflessione sulle infrastrutture necessarie a ospitarle, che diventano parte integrante del progetto espositivo e delle scelte curatoriali. A questa libertà si affiancano nuove responsabilità: conservazione, manutenzione, consapevolezza della complessità tecnologica e dei suoi requisiti, conoscenza del linguaggio digitale. Applicazioni e algoritmi intelligenti possono trasformare continuamente l’opera, rendendone la fruizione mutevole e ampliandone le possibilità. Questo richiede anche una sensibilità capace di coniugare visione artistica e competenze tecniche. La curatela si apre così a nuovi contesti culturali, riconoscendo anche nei social media spazi di sperimentazione artistica e partecipazione collettiva.
Martin Romeo, Visual artist
Curare una mostra d’arte digitale significa ripensare il significato stesso dell’esporre e del fare esperienza artistica. Credo sia necessario superare il tradizionale «Vietato toccare» e considerare le opere come inneschi di esperienze percettive, cognitive e relazionali. Il mio approccio curatoriale valorizza la sinestesia e la polisensorialità: la mostra non è soltanto un luogo in cui guardare con gli occhi, ma un ambiente da attraversare con i piedi, da percepire con il tatto, da ascoltare con l’udito e da respirare con l’olfatto, capace di coinvolgere tutti i sensi e la corporeità in un’esperienza immersiva. L’immersione acquista senso quando va oltre la spettacolarità e stimola domande e mette in discussione il nostro rapporto con immagini, dispositivi e algoritmi. È questa la direzione che ho esplorato con The Sea Is Closer Than You See, mostra curata per Matera Capitale Mediterranea della Cultura e del Dialogo, per rendere percepibile, attraverso opere digitali, la presenza millenaria del mare anche lontano dalla costa. La curatela digitale richiede nuove modalità di fruizione e apre questioni sull’interattività, l’autorialità e l’agency. La sfida è fare della tecnologia non un fine, ma uno strumento di conoscenza e interrogazione critica del presente.
Chiara Canali, critica d’arte e curatrice indipendente
Curare una mostra di arte digitale significa affrontare sfide specifiche, a partire dall’individuazione di spazi espositivi adeguati per morfologia, dimensioni e dotazioni tecnologiche, per garantire la corretta esposizione delle opere e consentirne le migliori condizioni di fruizione da parte del pubblico. La progettazione deve, infatti, garantire un’esperienza di visita di qualità, in grado di coniugare una selezione artistica e culturale di alto livello con un’attenzione incessante all’accessibilità, intesa non solo in senso fisico, ma anche culturale, sensoriale e percettivo. Si tratta quindi di progettare con un approccio inclusivo, disegnando percorsi adatti a differenti necessità, interessi e modalità di visita, affinché ciascun visitatore possa trovare un proprio modo di sperimentare le opere digitali.
Maria Paola Borgarino, direttrice Museo nazionale dell’Arte digitale
Curare una mostra d’arte digitale vuol dire lavorare con opere che dipendono da server, proiettori e software. La tela diventa un file, e il file ha bisogno di qualcuno che lo faccia funzionare ogni mattina. Il curatore fa il regista, il sistemista e un po’ il badante di hardware con la data di scadenza. La sfida sta nel pubblico: entra, filma con il telefono e se ne va senza aver guardato niente. Il digitale soffre di un problema di attenzione, e la mostra deve gestirlo senza trasformarsi in un luna park di led. Il lato buono è enorme: opere che cambiano con chi le attraversa, pubblici che non entrerebbero mai in un museo, archivi che diventano ambienti da abitare. Le mostre passano dal guardare al fare, con più spazio a chi i luoghi li vive. Per chi sa cavalcare questo passaggio è un’occasione rara.
Valerio Calabrese, direttore creativo
Non so bene cosa significhi “arte digitale” oggi. Più che guardare alle opere prodotte in digitale, trovo urgente indagarne gli effetti sulla società. Assistiamo al passaggio da un modello espositivo object-based a uno experience-based. Società di tecnologia e intrattenimento entrano nell’arte come leva strategica, mentre l’arte cerca nuovi pubblici, format e budget. Questa convergenza genera modelli inediti: dai progetti di Refik Anadol come Dataland a Los Angeles al modello teamLab o alla realtà di Shenzhen. Fino alla mia mostra al Grand Palais, “Euphoria: Art is in the Air”, realizzata con Lux Holding e grandi nomi dell’arte contemporanea. Le mostre estendono la loro durata, diventando annuali o permanenti. Emergono così nuove sfide per il curatore, chiamato a riposizionare il pubblico al centro e a bilanciare con equilibrio ricerca scientifica, storia dell’arte, esigenze aziendali e sostenibilità economica. Sfide non facili ma che non possiamo ignorare.
Valentino Catricalà, Direttore Museum Commission, Saudi Arabia Ministry of Culture
Curare una mostra d’arte digitale a Matera significa innanzitutto metterla in relazione con il luogo che la ospita: una città dalla forte identità rupestre, profondamente legata alla pietra e alla scultura, che conserva nella propria geologia la memoria di un paesaggio sommerso, di un tempo in cui il mare c’era. La sfida è stata costruire un percorso organico tra musei pubblici e privati, spazi diversi per storia e funzione, in cui ogni tappa contribuisse a un’esperienza complessiva. Accanto agli aspetti tecnici delle installazioni, la questione curatoriale centrale era capire come un linguaggio immateriale, fatto di luce, movimento, suono e interazione, potesse dialogare con la memoria dei luoghi. Oggi, però, la distinzione tra mostre tradizionali e digitali è sempre meno netta. Il digitale non è soltanto un supporto tecnologico, ma uno strumento capace di ampliare la percezione di un luogo, attivare nuove relazioni e rinnovare le modalità di incontro con l’arte, senza contrapporsi all’identità del territorio.
Simona Spinella, storica dell’arte
Curare una mostra d’arte digitale significa comprendere l’intento dell’artista e restituirlo al pubblico in uno spazio fisico, con limiti che il virtuale cerca di superare. Le sfide cambiano a seconda dell’opera. Se vive su uno schermo, in una proiezione o in un’esperienza immersiva, la tecnologia entra nell’allestimento e spesso nell’opera stessa, come nel lavoro di Theo Triantafyllidis commissionato quest’anno da Frieze London. Se invece nasce in digitale ma prende forma tangibile, come nelle installazioni di Eva e Franco Mattes, va pensata come una scultura tecnologica. Dalla nascita della new media art tra gli Anni ’50 e ’60, tra grandi sviluppi e non poche battute d’arresto, questo linguaggio è entrato nel contemporaneo: lo confermano il settore Zero 10 di Art Basel e la mostra di riapertura del New Museum a New York. Il suo valore è ancora discusso, ma a Milano sta nascendo un museo nazionale con una collezione permanente di arte digitale, un segnale che fa ben sperare.
Serena Tabacchi, curatrice e editor di The Bunker
L’espressione “arte digitale” non identifica un genere preciso di opera; ci dice soltanto che è stato utilizzato uno strumento elettronico. Per cui una mostra di arte digitale può prendere tante forme differenti, a seconda del tipo di opere che contiene che possono essere video, installazioni, software, progetti di net art, performance o altro. È importante quindi che le esigenze di ogni progetto vengano valutate singolarmente e in costante dialogo con gli artisti. Spesso infatti bisogna cambiare il display e/o riadattare le opere in considerazione dello spazio e della tecnologia che si hanno a disposizione. Un altro elemento cruciale riguarda la manutenzione: è necessario assicurarsi che le opere siano sempre funzionanti e che il personale del museo sia adeguatamente formato per gestirle. Più in generale, penso che l’espressione “mostra tradizionale” non abbia più molto senso e che qualsiasi curatore oggi debba essere in grado di maneggiare anche il medium digitale.
Valentina Tanni, storica dell’arte, curatrice e docente
Con il progetto AIRFARE, la Fondazione Matera-Basilicata 2019 ha confermato il suo impegno nell’esplorare le nuove frontiere della cultura, promuovendo un percorso di formazione dedicato alla curatela artistica digitale guidato da Chiara Canali. Un’iniziativa nata dalla consapevolezza che curare una mostra d’arte digitale non ha significato semplicemente adattare linguaggi tradizionali a nuovi supporti, ma progettare la fruizione di opere immateriali, dinamiche e interattive.
Abbiamo esplorato come il settore espositivo stia vivendo una trasformazione profonda, guidata dall’ibridazione dei linguaggi. Le mostre non sono più solo fisiche o virtuali, ma integrano livelli di Realtà Aumentata ed estensioni digitali accessibili da remoto, espandendo i confini dei luoghi espositivi. Al contempo, cambia la fruizione: lo spettatore smette di essere passivo e, grazie a sensori, dati e intelligenza artificiale, diventa co-autore dell’opera, modificando l’ambiente con la propria presenza. Le mostre si liberano così dalla dipendenza da un unico spazio fisico, aprendosi a fruizioni nomadi, pop-up e accessibili da smartphone in tutto il mondo.
Rita Orlando, direttrice generale Fondazione Matera-Basilicata 2019
Santa Nastro
L’articolo è stato realizzato in collaborazione con Fondazione Matera-Basilicata 2019
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