È pieno di opere d’arte dietro ai look visti sul red carpet del Met Gala 2026
Al Metropolitan Museum of Art il tema “Fashion Is Art” trasforma il tappeto rosso in una galleria vivente: tra dipinti, sculture e visioni anatomiche, ecco i look più artistici della serata
C’è un punto, sempre più sottile, in cui la moda smette di essere semplice esercizio estetico e si fa linguaggio artistico. Il Met Gala 2026, ospitato come da tradizione al Metropolitan Museum of Art di New York, ha reso questa intersezione il cuore pulsante della sua narrazione. L’evento, che inaugura la mostra del Costume Institute dedicata al “corpo vestito”, ha scelto come dress code Fashion Is Art, invitando designer e celebrity a trasformare il proprio corpo in superficie espressiva, scultura o quadro vivente. Il risultato è stato un red carpet che ha funzionato come una vera e propria esposizione dinamica: abiti dipinti a mano, citazioni alla storia dell’arte, riferimenti alla statuaria classica e interpretazioni radicali del corpo umano. Non solo omaggi, ma vere e proprie traduzioni visive, dove la moda si appropria dei codici dell’arte per riscriverli sul corpo.
Dipinti indossati: quando il corpo diventa tela
Tra le interpretazioni più immediate e suggestive del tema, spiccano i look che hanno trasformato gli abiti in superfici pittoriche. Emma Chamberlain, in custom Mugler, sceglie di lavorare sulla materia pittorica stessa: il suo abito dipinto a mano non si limita a evocare Vincent van Gogh, ma ne rielabora la tensione gestuale, facendo del corpo una superficie vibrante, attraversata da pennellate che suggeriscono movimento e instabilità percettiva. Diversa, ma ugualmente significativa, è la scelta di Anne Hathaway, che affida all’artista Peter McGough la decorazione del suo abito Michael Kors Collection. Qui il riferimento non è a un singolo dipinto, ma a un immaginario iconografico che guarda all’antica Grecia: colombe, simboli e figure allegoriche riconducono alla dea Eirene, attualizzando il rapporto tra arte classica e costruzione del corpo femminile.
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Il registro si fa più esplicitamente teatrale con Rachel Zegler, che mette in scena una vera e propria performance citazionista: bendata sul red carpet, rievoca il momento sospeso del dipinto di Paul Delaroche dedicato a Lady Jane Grey. Sul versante del ritratto, Lauren Sanchez e Julianne Moore si confrontano con uno dei casi più emblematici della storia dell’arte moderna, Madame X di John Singer Sargent. Il dialogo con la pittura si arricchisce ulteriormente con le suggestioni decorative di Gustav Klimt: Gracie Abrams e Hunter Schafer recuperano l’uso dell’oro e della bidimensionalità ornamentale, trasferendo sugli abiti quella tensione tra superficie e profondità che caratterizza la Secessione viennese. Ma è Madonna a spingere questa logica verso una dimensione più immersiva e visionaria. Il suo look Saint Laurent by Anthony Vaccarello si costruisce come un vero e proprio spazio surrealista, dichiaratamente ispirato all’opera di Leonora CarringtonThe Temptations of Saint Anthony Fragment II.
Dal marmo al tessuto: la moda guarda alla scultura
Se la pittura lavora sulla superficie, è nella scultura che il tema del “corpo vestito” trova una delle sue declinazioni più coerenti. Kendall Jenner si confronta con uno dei capolavori assoluti dell’arte ellenistica, la Nikedi Samotracia, scegliendo di enfatizzarne il dinamismo più che la forma. Il suo abito non replica la scultura, ma ne interpreta il movimento. In modo complementare, Kylie Jenner guarda alla Venere di Milo, icona di una bellezza frammentata e incompleta. La riflessione sulla scultura si sposta poi su un piano più performativo con Anok Yai che in collaborazione con Pierpaolo Piccioli per Balenciaga, sviluppa il suo look partendo dall’immaginario della Madonna Nera. Il corpo viene completamente rielaborato attraverso un trattamento metallico che simula il bronzo fuso, cancellando ogni traccia di pelle naturale e trasformandolo in superficie scultorea. Le lacrime d’oro, che solcano il volto, omaggiano la figura della Madonna Addolorata, attivando una tensione tra sacro e contemporaneo che va oltre l’impatto visivo.
Più illusionistica è invece la scelta di Heidi Klum, che si ispira a La Vestale Velata di Raffaelle Monti. Il gioco tra visibile e invisibile, tra corpo e superficie, richiama la tradizione ottocentesca della “scultura velata”, dove il marmo simula la trasparenza del tessuto. Legata al linguaggio dell’arte contemporanea è infine Kim Kardashian, che indossa un body ispirato a Body Armour di Allen Jones: il corpo diventa struttura, quasi un oggetto espositivo, richiamando le tensioni della Pop Art e le sue ambiguità tra desiderio, consumo e rappresentazione.
Il corpo come opera: anatomie, trasformazioni e provocazioni
Qui l’abito smette di essere citazione e diventa intervento, trasformazione, dichiarazione. Beyoncé inaugura questa dimensione con un abito-scheletro firmato da Olivier Rousteing: una struttura anatomica interamente ricoperta di cristalli che rende visibile ciò che normalmente resta nascosto. Il corpo non è più superficie da decorare, ma architettura da esporre. Opposta, ma ugualmente incisiva, è la scelta di Bad Bunny, che interviene non sull’abito ma sul volto, presentandosi con un look firmato Zara e un make-up che lo invecchia. In un contesto ossessionato dalla giovinezza e dalla perfezione, l’artista introduce il tema del tempo come elemento estetico, trasformando il proprio corpo in una riflessione vivente sulla caducità. Il riferimento dichiarato a Charles James, figura chiave nella storia della moda americana, aggiunge un ulteriore livello di lettura, collegando memoria, costruzione e identità. Il red carpet del Metropolitan Museum of Art si trasforma in uno spazio critico oltre che spettacolare: un luogo in cui la moda, ancora una volta, dimostra di poter essere non solo immagine, ma pensiero.
Erika del Prete
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