Esiste un’arte italiana?

Mai come in questo particolare momento storico sarebbe utile e quindi auspicabile riprendere il dibattito sul sistema dell’arte in Italia (anche se, a dirla tutta, la parola ‘sistema’ non è che mi convinca molto, in quanto sembra escludere qualsiasi realtà al di fuori dello stesso). Qualche riflessione sorge, come dire, spontanea. Quelle che seguono ce le consegna Paola Di Giammaria, responsabile della Fototeca dei Musei Vaticani.

Maurizio Cattelan, Il Bel Paese, 1994
Maurizio Cattelan, Il Bel Paese, 1994

Proprio in questo momento storico in cui, per quanto riguarda l’arte contemporanea, l’apporto curatoriale diventa sempre più preponderante e i confini nazionali si rivelano sempre più inconsistenti e in cui il linguaggio dell’arte è diventato omnicomprensivo e fagocitante, mi pare necessario meditare sul valore identitario dell’arte.
È vero che la forza espressiva dell’arte supera ogni barriera, ma allo stesso tempo appare opportuno in un mondo sempre più globalizzato riscoprire una sorta di cemento culturale che identifichi la storia e la tradizione del nostro Paese. Anche per questa ragione nasceva nel 1895 la Biennale di Venezia a ridosso dell’appena raggiunta unità nazionale: per essere riconoscibili, per avere i propri contorni ben delineati e chiari. Il retaggio ottocentesco dei Padiglioni nazionali, seppure può sembrare oggi anacronistico e fuori moda, è una vera e propria ricchezza, nonché una risorsa, in quanto i padiglioni stessi si sono rivelati in molti casi una fucina di sperimentazione che va al di là di nazionalismi e campanilismi acritici. Riscoprire l’identità non significa infatti a tutti costi storicizzare. A questo sono deputati i musei. Occorre invece trovare contesti e ritrovare un senso di appartenenza che non ci limita ma ci distingue. Occorre tornare a riflettere su ciò che l’Italia da sempre rappresenta per il mondo intero in fatto di cultura, di arte, di storia, di tradizione. Qualcosa di unico. Ciò significa non tornare indietro, ma guardare avanti e tuffarsi nel mondo globalizzato a occhi aperti e consapevoli.

Filippo Tommaso Marinetti - Guido Guidi - 1916 - inchiostro su carta - coll. privata
Filippo Tommaso Marinetti – Guido Guidi – 1916 – inchiostro su carta – coll. privata

D’altronde, la storia dell’arte di questi ultimi due secoli parla per noi. Il problema non è nuovo. La necessità di riaprire la discussione nell’arte sulla questione identitaria riappare con il Futurismo ma con esiti totalmente opposti, vista la vocazione prettamente internazionalista del gruppo che pubblica il proprio Manifesto a Parigi, seppure con un’impronta fortemente nazionalistica, soprattutto nei confronti dell’arte francese. Dello stesso argomento ne discutono due grandi ideologi nella prima metà del secolo: Margherita Sarfatti, convinta sostenitrice di un linguaggio artistico che non perdesse di vista la forma classica, e Lionello Venturi, per il quale l’arte non ha frontiere, è figlia del proprio tempo ma è cittadina del mondo, linea quest’ultima che prevarrà nel secondo dopoguerra, per ragioni ovviamente più ideologiche che artistiche. Negli Anni Sessanta si continua a discutere dell’idea nazionale ma in un contesto completamente cambiato, del tutto concettuale e alle soglie della contestazione, che sfocerà nel testo di Germano Celant, fondatore dell’Arte Povera nel 1967, Per un’identità italiana, pubblicato nel 1981 come prefazione del libro Arte nell’Italia. Proprio negli Anni Ottanta la Transvaguardia di Achille Bonito Oliva con il suo ritorno alla pittura sembra opporsi alla linea di Celant, per cui un’arte che voglia dirsi italiana non può essere solo decorazione ma deve rivendicare la propria funzione destabilizzante e denunciataria.
Cosa sia successo dopo dell’identità artistica italiana non è chiaro. Nessuna delle due linee ha vinto. Anzi, si può dire che l’atteggiamento nei confronti della questione è piuttosto oscillante tra una posizione negativa rispetto all’identità nazionale e al tempo stesso una latente aspirazione, carica di spunti politici ed etici, a ricostruirla dal profondo. Dunque, sono pochi gli artisti che oggi si pronunciano esplicitamente in merito.

L'Italia in croce di Gaetano Pesce - Padiglione Italia - Biennale di Venezia 2011
L’Italia in croce di Gaetano Pesce – Padiglione Italia – Biennale di Venezia 2011

Mi vengono in mente due esempi. Il Bel Paese di Maurizio Cattelan, anno 1994, un tappeto che riproduce la forma tonda del formaggio omonimo che notoriamente reca l’immagine dell’Italia, dunque un’opera calpestabile, sotto la quale è la terra, il suolo italiano, la nazione. Uno sguardo ironico sulle sorti del nostro Paese e sul ruolo dell’arte. L’altra è L’Italia in croce di Gaetano Pesce, datata 2011, un’installazione forte, un’Italia scarnificata e messa in croce: si tratta di un invito a riflettere, a voltare pagina, a ripensare il passato senza atteggiamenti nostalgici ma prendendo esempio da un’Italia che realizzava e guadagnava in prestigio internazionale e quindi anche dal punto di vista economico. E anche l’arte, che da sempre tende a dare forma a desideri e modelli, che spesso è veicolo di suggestioni ideologiche e politiche, che suggerisce contenuti e spunti, può fare la sua parte.
Dunque, il discorso si apre ad altre interessanti domande, ormai sempre più inevitabili e fatali nel panorama artistico nazionale. Una fra tutte: è ancora possibile parlare di arte italiana o di artisti italiani? Solo tentando un approccio alla risposta di questa domanda ci si potrà interrogare anche sulle modalità per sostenere e rilanciare le nostre istanze, anche sul piano internazionale.

Paola Di Giammaria

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Paola Di Giammaria
Paola Di Giammaria è una storica dell’arte, curatrice, responsabile della Fototeca dei Musei Vaticani, dove si occupa di conservazione, catalogazione e studio della raccolta fotografica storica istituzionale, a partire dalle lastre di vetro della seconda metà dell’Ottocento fino alle prime pellicole di fine Anni Trenta del Novecento. Dopo la maturità linguistica si è laureata in Lettere con indirizzo Storia dell’Arte, sotto la guida di Maurizio Calvesi, presso la Sapienza, Università di Roma, dove ha proseguito gli studi, conseguendo il diploma della Specializzazione in “Storia dell’Arte Medievale, Moderna e Contemporanea” e il Dottorato di Ricerca in “Strumenti e Metodi per la Storia dell’Arte”. Le sue numerose pubblicazioni, tra libri, contributi in volumi e cataloghi di mostre, ne riflettono i principali ambiti di ricerca; l’arte romana tra Cinquecento e Seicento, la storia della fotografia, soprattutto in relazione alle collezioni vaticane. Nel 2016 ha curato la giornata di studi svoltasi ai Musei Vaticani dal titolo "Tradurre il Michelangelo della Sistina: dall’immagine fissa all’immagine in movimento", in collaborazione con IULM, Rai e Istituto Centrale per la Grafica. Da sempre si occupa di arte contemporanea: ha curato mostre di artisti, collaborando con gallerie private, istituzioni culturali italiane e straniere, fra cui la Fondazione Franz Ludwig Catel, per la quale ha curato in più occasioni il Premio Catel, rivolto a giovani artisti provenienti dalle accademie di belle arti. È stata Visiting Professor alla John Carroll University (Cleveland, USA). Dal 2018 è docente del corso Art Market nel Master in Management delle risorse artistiche e culturali della IULM. È giornalista pubblicista, occupandosi dei suoi ambiti di ricerca e interesse.