Strange Attractors, The Anthology of Interplanetary Folk Art, Vol. 3: Lost In Space

Brescia - 21/05/2022 : 18/09/2022

Una collettiva organizzata dallo scrittore e curatore americano Bob Nickas.

Informazioni

  • Luogo: A PALAZZO GALLERY
  • Indirizzo: Piazza Tebaldo Brusato 35 - Brescia - Lombardia
  • Quando: dal 21/05/2022 - al 18/09/2022
  • Vernissage: 21/05/2022 ore 18
  • Curatori: Bob Nickas
  • Generi: arte contemporanea, collettiva
  • Orari: 21 maggio – 18 settembre 2022 Preview stampa: 21 maggio dalle ore 12.00 Inaugurazione: 21 maggio – dalle ore 18.00

Comunicato stampa

APALAZZOGALLERY is pleased to present an exhibition organized by the American writer and curator, Bob Nickas, Strange Attractors, The Anthology Of Interplanetary Folk Art, Vol. 3: Lost In Space. This is the third and final installment of his Strange Attractors series which began with an exhibition in Los Angeles in 2017, Life On Earth, followed by another in New York in 2018, The Rings of Saturn



The show planned for APALAZZOGALLERY was originally to have taken place in 2020, but, as with so many projects for that year, had to be put on hold, as our lives were, a “holding pattern” no one expected would be so consequential, and as prolonged. Two years later, the world has shifted considerably, a planet that has tilted on its axis, if not physically then emotionally, as well as on a psychic level, and in ways we may not yet understand. This is certainly true for those younger and born in this period. The initial idea for Strange Attractors, back in that “yesterworld” when life proceeded much as it had before, was based on an imaginative fiction ahead of the 50th anniversary of the Moon landing in 1969: assemble a collection of artworks to be sent into space, meant to communicate to whoever might be out there: this is who we are, this is how humans visually articulate thought. All art does that, of course. But all art does not necessarily lend itself to that level of reverie—to be lost in thought, to be lost in space, body and mind, buoyant, weightless, drifting but not adrift. Now the world has shifted again, and reverie may seem irresponsible, interrupted by a bad dream from which many won’t soon awake. Lost In Space? The story of my life is that it goes on. Who said that? We may never know.

All objects and artworks in the world which orbit one another and, at times in near-slow motion, collide, are in a sense lost to be found. They come from studios, they emerge from under the ground (or appear as if they had), from our time and from the past, from antiquity, from distant periods, allowing us to time travel with them. Of one thing we can be sure: they did not fall from the sky. Someone made them, or something found has been transformed. Yesterday, today, a thousand years ago. All were made for a reason, many out of need, a means to understand what was done, to realize what had previously only existed in the imagination: thought made visible. Some are related to magic, some to ritual, even here in the present, rituals of the everyday. Every artwork has the potential to generate another, but do they attract each other as they attract us, as humans are drawn to and respond to one another, at times almost involuntarily?

Since the 1960s, artworks have commonly been referred to as pieces, and they are: to be fit together, pieces of a puzzle, parts of a bigger picture which only appears incrementally, with patience. Every work of art potentially a piece of something larger, otherwise unknown. The picture-puzzle often more easily comes into view when its outer edges are defined. Art, on the other hand, appears from the inside out: from the mind, and its limits are elastic. And what is the difference between a picture-puzzle and the ever-expanding constellation that is art? There is no final image at which we arrive. Who would want that, an end of the line? Ars longa, particularly in a period when speed has become its own aimless reward: Vita brevis. The expanded notions of art in the ‘60s paralleled a greater curiosity for what else might exist beyond the known world, and an increased dissatisfaction with its limits and prohibitions. Humans wondered whether anyone else might be out there? But haven’t we been searching for intelligent life all along—among one another? Cave painting established the beginning of art, a pre-language, a means of communication and of recording. The cave was the first studio, and the first gallery. Footprints in the ground below cave walls, including those of children, attest to creators and audience. Some artists in the ‘60s left the studio behind to work directly in the land, employing natural materials, stone, minerals, salt, and so on, envisioning what came to be called earthworks. But all the art we are aware of has been made terrestrially, here on this planet. All artworks are earthworks.

For collectors and curators, works of art brought together may enter states of re-animation. Artworks staged in public and in private perform, and no less suggestively than when they are brought into active relation. The museum may be thought of as a supercollider, which partly accounts for why our visits to them tend to be overwhelming. Visitors can become unmoored, though pleasurably so, entering into convergence with the works before them, or slipping into the suggestive space opened up between one work and another. APALAZZOGALLERY is in a 16th century palazzo, a museum of sorts, with palpable traces of the past and which we may think of as haunted. This exhibition, with its presentation of figurative sculpture, a number of works appearing archaeological or out of time, the rooms visibly inhabited, may well haunt it back. By way of their staging, these works will seem to be aware of each other, while also regarding the paintings, woodcuts and collages hung on the wall—most of which include representations of human figures, heads, and animals. All suggest a gravitational pull that viewers may sense and thus enter into.





APALAZZOGALLERY è lieta di presentare la mostra organizzata dallo scrittore e curatore americano Bob Nickas: Strange Attractors, The Anthology Of Interplanetary Folk Art, Vol. 3: Lost In Space; terza e ultima tappa della sua serie Strange Attractors, iniziata nel 2017 a Los Angeles con Life On Earth, a cui è seguita la successiva The Rings of Saturn, a New York, nel 2018. L'esposizione doveva tenersi originariamente nel 2020 ma era stata sospesa, insieme a molti altri progetti previsti per quell'anno. Sospesa come le nostre vite, in un "protocollo di attesa" che nessuno pensava sarebbe stato così ripetitivo e prolungato. Due anni dopo, il panorama è mutato significativamente, quasi come se il pianeta si fosse inclinato sul proprio asse, se non fisicamente, quantomeno a livello psichico ed emozionale, cambiamenti che forse non abbiamo ancora del tutto compreso. Una verità incontestabile per i più giovani tra noi e i nuovi nati di questo periodo.

L'idea iniziale di Strange Attractors, concepita in quel "mondo di ieri" in cui la vita procedeva più o meno secondo i ritmi di sempre, era basata su una narrazione immaginaria, in vista del cinquantesimo anniversario dello sbarco sulla Luna (1969): assemblare una collezione di opere d'arte da inviare nello spazio, per avviare una comunicazione con chiunque potesse esserci “là fuori”. Come a dire: “Questo è ciò che siamo, questo è il modo in cui gli umani articolano visivamente il pensiero”. Tutta l'arte lo fa, naturalmente, ma non ogni forma d'arte si presta necessariamente a questo livello di fantasticheria: perdersi nel pensiero, smarrirsi nello spazio, corpo e mente, galleggianti, senza peso, fluttuando, ma non alla deriva. Ora che il mondo è stato scosso, la rêverie potrebbe sembrare irresponsabile, interrotta da un incubo da cui molti non si sveglieranno presto. Persi nello spazio? La storia della mia vita è nel suo farsi. Chi l'ha detto? Forse non lo sapremo mai.

Tutti gli oggetti e le opere d'arte del mondo che orbitano l'uno attorno all'altro, talvolta lentamente e quasi immobili, possono entrare in collisione, e venire, in un certo senso, persi per essere ritrovati. Nascono negli atelier o ri-emergono dal sottosuolo (o così sembra), dal presente come dal passato, dall'antichità, da epoche lontane, permettendoci di viaggiare nel tempo insieme a loro. Di una cosa possiamo essere certi: non sono caduti dal cielo. Qualcuno li ha realizzati, o qualcosa di trovato per caso è stato trasformato in un oggetto o un’opera fruibile. Ieri, oggi, migliaia di anni fa. Costruiti con uno scopo, molti per necessità, come veicoli di senso compiuto, che donano forma tangibile a ciò che prima esisteva solo nell'immaginazione: il pensiero reso visibile. Alcuni di essi sono legati alla magia, altri alla ritualità, anche ai giorni nostri, costellati di riti quotidiani. Ogni opera d'arte ha il potenziale per generarne un'altra, al punto che è lecito chiedersi, se non si attraggano forse l'un l'altra tanto quanto attraggono noi; proprio come l'essere umano è attratto e risponde al suo prossimo, a volte quasi involontariamente.

Fin dagli anni '60, le opere d'arte sono comunemente chiamate “pezzi”, e lo sono: pezzi di un puzzle da incastrare, assemblare, parti di un quadro più grande che si disvela solo gradualmente, con pazienza. Ogni opera d'arte è, in potenza, il pezzo di qualcosa di più grande, altrimenti sconosciuto. Il quadro-puzzle spesso appare più facilmente quando i suoi bordi esterni sono definiti. L'arte, invece, si espande dall'interno, dalla mente, e i suoi limiti sono elastici. Qual è, dunque, la differenza tra un quadro-puzzle e la costellazione in continua espansione che è l'arte? Non è facile trovare un’immagine che esaurisca l’argomento. Chi lo vorrebbe, in fondo, un capolinea? Ars longa, dunque, soprattutto in un’epoca in cui la velocità è diventata la sua stessa immotivata ricompensa: Vita brevis. La concezione espansa dell'arte negli anni Sessanta, inoltre, si svolgeva parallamente a una maggiore curiosità per ciò che poteva esistere oltre il mondo conosciuto, così come a una maggiore insoddisfazione per i suoi limiti e divieti. Gli esseri umani si chiedevano se ci potesse essere qualcun'altro là fuori. In fin dei conti, non siamo forse stati alla ricerca di vita intelligente per tutto il tempo, anche tra di noi? La pittura rupestre può essere considerata come il punto di partenza dell'arte, un pre-linguaggio, un mezzo di comunicazione e di memoria. La grotta fu il primo studio d’artista e la prima galleria. Le impronte fossili nel terreno davanti alle pareti delle caverne, comprese quelle di bambini, attestano infatti la presenza di un pubblico, oltre ai creatori. Tant’è che alcuni artisti, negli anni '60, hanno abbandonato gli spazi tradizionali della produzione artistica per lavorare direttamente la terra, utilizzando materie prime naturali, come pietre, minerali, sale e così via, immaginando forme espressive che saranno poi rinominate “earthworks”. Estendendo questa definizione, si può affermare che tutta l'arte di cui siamo a conoscenza sia stata fatta e pensata come terrestre, qui su questo pianeta. Tutte le opere d'arte sono, dunque, “earthworks”, opere di terra.

Per i collezionisti e i curatori, le opere, quando messe insieme, possono generare stati di attivazione reciproca. I lavori in mostra, al pubblico come in privato, agiscono, e non meno suggestivamente di quando sono messe in relazione diretta l’una con l’altra. Il museo può essere pensato come un “super collisore”, il che spiega in parte perché alcune visite possano diventare travolgenti sul piano emotivo. Il visitatore può alienarsi, anche se piacevolmente, entrando in convergenza con le opere davanti a sé, o scivolando nello spazio suggestivo che si apre tra un'opera e l'altra. APALAZZOGALLERY si trova in un edificio del XVI secolo, una specie di museo, con tracce palpabili del passato, quasi presenze fantasmatiche. L a mostra curata da Nickas ha il potere di contro-infestarlo, “abitando” visivamente le sale con la sua collezione di scultura figurativa, opere dai connotati archeologici o fuori dal tempo. Attraverso l’allestimento, questi lavori sembrano consapevoli l'uno dell'altro, mentre si specchiano nei dipinti, le xilografie e i collage appesi alle pareti, la maggior parte dei quali includono rappresentazioni di figure umane, teste e animali. Tutti suggeriscono un'attrazione gravitazionale reciproca, che il visitatore può percepire e, quindi, entrare a farne parte.