A Roma c’è una mostra sul cibo nella storia dell’arte. Intervista a chi l’ha ideata
Al Chiostro del Bramante di Roma, 190 opere attraversano cinque secoli di storia, dalle nature morte alle installazioni contemporanee, esplorando il rapporto tra alimentazione e identità. Ne abbiamo parlato con Suzanne Landau, curatrice della mostra che è in corso fino al 29 marzo 2027
Cosa rivela il cibo di una società? Molto più delle sue abitudini alimentari. Attraverso i secoli, gli artisti lo hanno trasformato in un linguaggio capace di raccontare identità e rapporti di potere, dalle nature morte del Seicento alle sperimentazioni contemporanee, in cui diventa materia artistica e strumento di critica sociale. Da questa prospettiva nasce FOOD. Il gusto nell’arte, la mostra che celebra i trent’anni di attività del Chiostro del Bramante a Roma. Curata da Suzanne Landau e prodotta da DART – Chiostro del Bramante, riunisce 190 opere di oltre 60 artisti in sei sezioni che attraversano cinque secoli, dai dipinti di Bartolomeo Bimbi alle opere di Marina Abramović, Sophie Calle, David LaChapelle e Yinka Shonibare. Il percorso arriva a interrogare alcune delle grandi questioni del presente, dalle disuguaglianze sociali alla crisi ambientale.
Intervista a Suzanne Landau, curatrice di “FOOD. Il gusto nell’arte”
Perché il cibo è così importante nella storia dell’arte?
L’idea iniziale era dedicare una mostra alla dolcezza irresistibile dei dessert, di ogni genere. Ci siamo però resi conto che fosse necessario ampliare la prospettiva e sviluppare un approccio più articolato, capace di comprendere anche i dolci, affrontando al tempo stesso un tema universale e significativo. Il cibo lo è certamente: essendo un elemento fondamentale della nostra esistenza, è diventato nei secoli un soggetto importante nell’arte e uno specchio della società, della sua storia, dei suoi rituali, comportamenti e religioni.
Quali criteri hanno guidato la scelta delle opere e il confronto tra artisti di epoche diverse?
Il primo criterio, e il più importante, è sempre la qualità dell’opera, seguito naturalmente dalla sua capacità di esprimere il concetto e l’idea alla base della mostra. Allo stesso tempo, per noi era importante accostare i grandi maestri del passato agli artisti contemporanei, creando un dialogo originale capace di rivelare le affascinanti trasformazioni di idee simili nel corso del tempo.
Com’è cambiato il linguaggio artistico legato al cibo, dalla natura morta all’arte contemporanea?
In sostanza, il significato non cambia: il cibo rimane sempre cibo. A cambiare sono i materiali e il linguaggio visivo. Queste trasformazioni sono racchiuse anche nelle opere stesse. Ori Gersht, per esempio, si è ispirato a una natura morta del Seicento di Juan Sánchez Cotán, realizzando un’opera video dinamica. Ha combinato la tecnologia contemporanea con un’immagine del XVII Secolo, mettendo in relazione passato e presente.
Cosa raccontano le opere in mostra sul corpo e sulla condizione femminile?
Mangiando una cipolla, un gesto assurdo e irrazionale, Marina Abramović mostra la vulnerabilità e la sofferenza del corpo, insieme ai suoi limiti. Come in molte delle sue performance, è determinata a superare a ogni costo la durezza della prova che si è imposta. Come Marina, anche Sophie Calle e Vanessa Beecroft lottano attraverso la loro arte per la condizione e il potere delle donne, rivendicandone la piena uguaglianza sociale, economica, politica e personale.
Ci sono artisti che utilizzano lo spazio domestico per riflettere sul ruolo delle donne?
Kitchen Table di Carrie Mae Weems, del 1990, è una delle prime rappresentazioni dell’esperienza quotidiana di una donna nera afroamericana. Semiotics of the Kitchen di Martha Rosler, del 1975, è invece una parodia e una critica delle strutture patriarcali, quei sistemi sociali nei quali il potere e l’autorità sono prevalentemente nelle mani degli uomini e che, storicamente, hanno confinato le donne alla sfera domestica, alla cucina.
Quale pensiero emerge sul tempo e sulla morte?
La natura morta come genere autonomo si affermò nei Paesi Bassi a partire dall’inizio del Seicento. Tra i concetti fondamentali delle vanitas figurano la brevità della vita terrena, l’imminenza della morte e la vanità delle ricchezze materiali. Queste riflessioni sul tempo e sulla transitorietà dell’esistenza risuonano nel video Still Life di Sam Taylor-Johnson, nel quale assistiamo alla decomposizione e al deterioramento della frutta. È un processo inevitabile, reso così tangibile nel suo video, che possiamo soltanto immaginare osservando e ammirando i frutti succosi e rigogliosi, ciliegie, fichi o pesche, dei monumentali dipinti di Bartolomeo Bimbi. Anche la serie fotografica Last Meal on Death Row di Mat Collishaw richiama il drammatico chiaroscuro delle vanitas olandesi e fiamminghe del Seicento. La morte è già implicita nel titolo delle opere.
Come affrontano Yinka Shonibare e Superflex le conseguenze del colonialismo e della crisi ambientale?
Yinka Shonibare utilizza nella maggior parte delle sue opere il tipico tessuto batik cerato olandese, considerato un tessuto africano “autentico”, che in realtà si ispira al batik indonesiano, viene prodotto dagli olandesi e venduto nell’Africa occidentale. È forse uno degli esempi più espliciti di postcolonialismo e di scambi globali. Il video Flooded McDonald’s di Superflex è invece una metafora delle grandi multinazionali dell’industria alimentare e del loro contributo al cambiamento climatico e alle crisi ecologiche globali.
In che modo le installazioni s’inseriscono nell’allestimento?
L’immersione fisica in installazioni come quelle di Simone Post e Bompas & Parr trasforma gli spettatori in partecipanti. Sebbene non sia consentito toccare le opere, il pubblico può sentirne gli odori ed esserne completamente circondato. Allo stesso tempo, può rimanere stupito dalla complessità e dalla quantità di lavoro necessarie per realizzarle, aspetti che rendono l’esperienza ancora più intensa e coinvolgente.
Perché il cibo ha un legame così profondo con la memoria?
Credo che la risposta migliore si trovi nel romanzo Alla ricerca del tempo perduto di Marcel Proust e nella descrizione dei suoi ricordi d’infanzia, delle domeniche mattina in cui la zia Léonie gli offriva un pezzetto di madeleine intinta nel tè. Poteva ancora sentirne il profumo…
Cosa ci insegnano cinque secoli di rappresentazioni del cibo sul rapporto tra alimentazione e futuro del pianeta?
Possiamo riassumerlo citando le parole di Yinka Shonibare a proposito della sua opera Food Man: “Il mio lavoro sottolinea l’importanza di una produzione alimentare sostenibile per proteggere le generazioni future e il pianeta in un mondo segnato dal cambiamento climatico”.
Ginevra Barbetti
Roma // fino al 29 marzo 2027
FOOD. Il gusto nell’arte
CHIOSTRO DEL BRAMANTE
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