Di giorno dirige un’agenzia, di notte fa l’incisore. La doppia vita di Fabio Marangoni
Il fondatore dell’agenzia Tale, di notte si trasforma in incisore. La pratica manuale nata per gioco e l’idea, alla ricerca della stampa perfetta, di strappare le superfici per ricomporle a collage. In attesa della prima personale a Barcellona nel 2027 abbiamo parlato con Marangoni della sua storia su due binari paralleli
Una doppia vita condotta nell’arte. È la storia di Fabio Marangoni (Venezia, 1986), fondatore dell’agenzia di comunicazione Tale di Milano, vincitore del Black Design Award a Vinitaly, che tuttavia non si accontenta del proprio lavoro e da circa dieci anni si “rilassa” lavorando di notte all’incisione, in uno studio creato appositamente a casa propria, magari coinvolgendo nelle prime ore la figlia di tre anni. Una passione la sua che successivamente si è evoluta in qualcosa di più concreto, portandolo ad esporre presso Bonvini1909 a Milano, alla fiera FIG Bilbao e nel 2027 a Barcellona dove da Taller Balam si terrà la sua prima personale. Successi maturati con il coraggio di rompere gli schemi, attraverso la pratica dello “strappo”. Di cosa si tratta esattamente? Ce lo spiega Marangoni in questa intervista, tra manualità, arte digitale e una precisa idea dello scorrere del tempo…
Intervista a Fabio Marangoni
Ti definisci «direttore creativo di giorno e incisore di notte». Raccontaci la tua storia
Sono classe 1986, quindi ho avuto la fortuna di potermi formare professionalmente in settori lontani dal digitale e dai social network, che hanno inevitabilmente influenzato i professionisti e le professioni dellegenerazioni che sono seguite. Sono sempre stato molto legato alla componente grafica-visiva del design: ho studiato grafica pubblicitaria alle superiori, poi design di prodotto in Italia e, dopo un’esperienza di 3 anni in diversi studi italiani, ho fatto un master in product design e creative direction alla Parsons’ University di New York. Un’esperienza che mi ha davvero aiutato a considerare la progettazione come un processo fondamentale per arrivare ad un risultato di valore.
Poi sei diventato Direttore Creativo in agenzia di comunicazione.
Il ruolo è arrivato con il tempo, dopo anni di esperienze in importanti agenzie venete che mi hanno portato, dopo quasi 17 anni di lavoro, a lanciare un mio progetto (faccio fatica a chiamarla “agenzia”) insieme ad un mio ex collega. Oggi Tale (questo il nome dell’agenzia) conta 8 persone e un pacchetto clienti importante per una realtà nata da meno di due anni. In tutto questo ho sempre cercato di avere degli sfoghi che mi tenessero lontano dal digitale e che avessero al loro interno, comunque, una componente di “progettazione” che non avesse vincoli.
Ovvero?
Nel 2016 ho partecipato con un amico quasi per gioco ad un workshop a Ravenna di incisione e da lì ho scoperto un mondo incredibile che non solo ha cambiato il mio modo di disegnare, ma anche la relazione che ho con il tempo. Incidere richiede tempo, cura, aspetti che spesso vengono meno nella frenesia quotidiana del lavoro. Da allora ho sempre cercato di dedicare all’incisione un giusto tempo, quasi a voler equilibrare il carico digitale giornaliero. La cosa che mi piace spesso dire è che la cosa più importante che mi ha insegnato l’incisione è che non esiste “CTRL+Z” e che ogni “errore” resta inciso nella matrice. Questo mi ha costretto e insegnato a familiarizzare con l’errore e includerlo nel processo arrivando quasi a nasconderlo nel complesso dell’incisione. Un’altra cosa molto utile per il mio lavoro di tutti i giorni.
Si tratta di una dimensione più fabbrile…
Sì. Poi con il covid, dal 2019, ho iniziato a farmi anche la carta perché avevo bisogno di una base molto assorbente e adatta all’inchiostro da stampa analogica. E anche qui, ancora una volta, ho evoluto ulteriormente la relazione col tempo. La carta è un elemento che richiede dei passaggi molto precisi e che spesso risente del meteo, del calore dell’acqua, del modo in cui la “peschi”. Diciamo che dedicare tempo a queste “arti antiche” è più una terapia indiretta che una necessità artistica.
Questa compresenza di anime è un limite o una opportunità?
Sono una gigantesca, e alle volte sorprendente, opportunità reciproca. Non ho mai voluto mescolare il mio lavoro con questa mia vena “artistica” proprio perché sono uno l’antitesi dell’altro e in questo richiamano costantemente un equilibrio che mi aiuta molto. Mi ricordano spesso però che fare le cose fatte bene richiede molto tempo, alle volte richiede anche momenti di sedimentazione che sono necessari per trovare soluzioni diverse. Mi insegna a tenere gli occhi aperti perché il prossimo “errore” potrebbe diventare l’inizio di un processo che porta a risultati sempre nuovi. Il mio lavoro di tutti i giorni richiede una velocità e un’elasticità di pensiero molto ben allenata, e per assurdo, rallentare mi aiuta molto in questo esercizio.
Come svolgi l’attività “diurna” e “quella notturna”, come si compenetrano e in che modo invece differiscono?
Diciamo che il fatto di incidere e stampare di notte è più una naturale conseguenza del dover lavorare di giorno. È l’unico momento della giornata che mi permette di dedicarmi a questo. In più non ho mai avuto un gran rapporto con la TV e quindi alla sera, per decomprimere e per svuotare il cervello, spesso mi metto in laboratorio (che ho in casa) e stampo, sperimento, incido. A volte per settimane giro intorno ad un’idea e poi una sera, come se scattasse qualcosa, trovo una combinazione che mi porta a trovare nuovi percorsi. Avendo una figlia di 3 anni non è sempre facilissimo riuscire a dedicarci tutto il tempo che vorrei, ma spesso stampiamo insieme (lei a suo modo ovviamente) e questa cosa aggiunge valore a questo tempo. Di giorno devo trovare soluzioni il più possibile impattanti, in modo molto rapido, alle volte troppo. L’attività della sera invece chiede l’esatto opposto: chiede tempo. Alle volte inizio a stampare, vedo non è serata, e lascio tutto lì. Nel mio lavoro da Direttore Creativo questo non può succedere. Anche per questo stampare mi aiuta.
Ci saranno però delle commistioni anche implicite tra queste due tue anime…
La cosa che adoro del mio lavoro di tutti i giorni è che mi costringe a studiare molto, a restare sempre sul pezzo, spesso per anticipare anche i clienti. Il digitale ci ha permesso di raggiungere molto più velocemente fonti e ispirazioni che prima dovevi cercare su riviste, o visitando musei e città. Quindi sicuramente il mio lavoro “digitale” e tutta la fase di ricerca per la direzione creativa, arricchisce in modo importante la mia esperienza visiva che in qualche modo cerca una traduzione quasi opposta nelle mie opere.
Al contrario, il limite dell’analogico, degli strumenti, mi porta a cercare nuove soluzioni per avere una gestione del colore diversa, per esempio, o per trovare delle composizioni che visivamente siano ben armoniche. Credo che queste due anime non sarebbero così ben strutturate l’una senza l’altra. Non so come spiegarlo, credo che il digitale abbia bisogno di una controparte analogica (che sia arte, fotografia, musica…) per raccogliere e controbilanciare le energie.
Dopo dieci anni, passati a far convivere separatamente queste due dimensioni, l’incisione è rimasta un rifugio intimo o è diventata il tuo linguaggio principale?
Dieci anni di incisioni sono tanti, e devo dire che in questo lasso di tempo il mio rapporto con l’incisione si è molto evoluto (come del resto quello con mio lavoro quotidiano). Credo di poter dire però che l’incisione, e aggiungo anche la stampa a caratteri mobili, sono diventati il mio linguaggio proprio perché sono da sempre il mio “rifugio”. Non l’ho mai definito così, ma forse questa domanda, mi porta a fare chiarezza del perché in questi dieci anni non ho mai smesso.
Per anni ho cercato un tratto molto preciso, quasi che sembrasse disegnato. Una pulizia maniacale nella fase di stampa e nella gestione del colore. Poi la selezione delle lettere e dei caratteri mobili. Il tutto sempre cercando nuovi linguaggi. Un rifugio bello dinamico diciamo. Non proprio un posto “tranquillo” dove trovare pace. Più uno spazio aperto dove ogni tanto decidi di cambiare disposizione degli elementi per farlo sembrare sempre nuovo.
Dici di aver cercato a lungo la stampa perfetta prima di iniziare a lacerarla. Cosa è successo nel momento esatto in cui hai deciso di strappare la prima tiratura?
Tutto è nato quando Taller Balam, la galleria che mi rappresenta al FIG di Bilbao, mi ha chiesto per il secondo anno consecutivo, di portare qualcosa di nuovo. L’anno prima avevo spedito delle opere che mescolavano incisione e stampa a caratteri mobili su dei fogli di carta intrecciati tra loro. È stato un fiasco totale. Per quanto “piacessero”, non avevano destato un interesse speciale, e quindi questa richiesta di “novità” è risuonata in me in modo diverso. Quasi come se fosse un ammonimento a trovare davvero qualcosa di “nuovo”. Guardando il mio archivio di stampe, ero quasi annoiato. Dieci anni sono tanti; quindi, ho ritenuto quel sentimento quasi giustificato. Consapevole che per trovare nuove soluzioni devi passare per strade mai esplorate (questo me lo insegna tutti i giorni la Direzione Creativa) ho perciò iniziato a strappare.
È stato un gesto di rifiuto?
No. Piuttosto una necessità di “rompere”, con un risultato che non mi restituiva più molto. Ho lasciato le stampe strappate dentro ad una scatola per giorni, forse settimane. Poi una sera, aprendola, ho notato che alcuni frammenti stavano bene vicini, anche se di soggetti diversi, di tempi diversi, come se si stessero chiamando.
Così ho iniziato a ri-comporre seguendo un processo caotico, che però mi ha portato a costruire opere con un’armonia cromatica nuova. Questa è la cosa più interessante dello strappo: per dieci anni ho controllato il risultato. Ora con gli strappi non so cosa verrà fuori, finché non sarà finito. Ho ritrovato il gusto di farmi sorprendere dal processo.
Il processo che utilizzi nel ricomporre l’opera accoglie l’imprevisto. Qual è oggi per te la differenza tra “errore” e “perfezione”?
La stampa che strappo è una stampa che nasce perfetta, pulita, curata. Il modo in cui strappo è imprevedibile, quasi errato, logicamente parlando. Non seguo alcun pattern. Quindi ad oggi le mie opere sono un misto tra “errore” e “perfezione”, e questa cosa mi piace molto perché è ancora una volta mescolare due opposti per cercare qualcosa di nuovo. Guardando le tavole uno vede caos ed equilibrio nello stesso momento. Credo sia questo che affascina molto.
Quale è la ricezione del tuo lavoro nel mondo dell’incisione?
Negli anni in cui ho inciso e mescolato caratteri mobili e carta, mi sono ritagliato una riconoscibilità nel linguaggio visivo e ho venduto molte “stampette” (le ho sempre chiamate così) sia in Europa che all’estero, ma sempre in modo molto artigianale ed autogestito. La cosa curiosa è che però non mi ha mai portato a fare mostre, se non qualche esposizione in locali di amici. Da quando ho strappato invece, sto ricevendo un’attenzione nuova. Di recente ho avuto un piacevole scambio con una persona che stampa anche lei e mi ha detto: “si vede che ti sei rotto, ma ti sei rotto bene!”. È stata un’affermazione che mi ha colto impreparato. Non mi ero mai visto come “rotto”, devo far decantare questa cosa. Penso ci sia molto di più di quello che sto vedendo io da fuori in questa tecnica.
Che rapporto hai con le tecniche digitali e l’intelligenza artificiale?
Le uso entrambe tutti i giorni al lavoro e credo siano uno strumento come molti altri, certo molto potente, ma che risultino nulli senza un’adeguata progettazione. Non demonizzo nulla, sarei ipocrita. Ma credo che come ogni strumento se usato in modo poco profondo, sia più un limite che un amplificatore. Spesso i software, prima ancora che l’AI, limitano il risultato per una questione di competenze o di scarsa pre-progettazione. L’AI e tutte le tecniche digitali, non sono diverse. Anzi, hanno accelerato l’esecuzione di chi, comunque, non si sarebbe messo a progettare, forse. Ma chi cerca il modo di governarle, spesso tira fuori dei nuovi linguaggi davvero molto interessanti.
C’è chi vede l’AI come la fine dell’artigianato visivo e chi come un nuovo strumento. Qual è la tua opinione dal tuo “doppio osservatorio”?
Vengo dal mondo della grafica, quella fatta prima a mano, poi a china, poi digitalizzata e cerco di applicare il più possibile lo stesso processo ancora oggi, proprio per non subire l’output, ma piuttosto governarlo. Questo mio “doppio osservatorio” mi porta spesso a chiedermi se uso questi strumenti in modo adeguato o se piuttosto sto “delegando” una progettazione che rischia di dare un risultato corretto, ma non adeguatamente ragionato. Progettare con lentezza le matrici, le stampe, la composizione dei caratteri, mi aiuta costantemente a ricordarmi che non sempre la strada che porta ad risultato “nuovo” è anche la più veloce.
Il tuo percorso tocca tre tappe molto diverse: l’ambiente storico e tipografico di Bonvini1909 a Milano, una fiera specialistica come FIG Bilbao e la tua prima personale da Taller Balam a Barcellona a marzo 2027. Come dialoga lo strappo con questi tre contesti differenti?
Mi sono sempre concentrato nel non restare succube della tecnica. Incidere, nello specifico, è un’arte antica e ci sono dei maestri dai quali ho ancora molto da imparare e soprattutto dalla quale mi sento molto lontano. Mi sono sempre detto che avrei cercato di esplorare questa arte antica per darle un nuovo valore. Più moderno, più mio. Non vengo dall’accademia, vengo dalla grafica e dal design di prodotto dove ogni linea, ogni forma è fatta per impattare esteticamente. Credo che questo pensiero sia quello che tutt’oggi mi porta a presentare in contesti così diversi quello che faccio. Anche per questo faccio fatica a definirmi “artista”. Sono in costante ricerca e di conseguenza in costante esplorazione. Non credo ci sia un “posto giusto” per questo linguaggio dello strappo. Mi piace pensare che qualcuno, guardando queste tavole, si interroghi su cosa sta vedendo, prima ancora di dire se gli piace o meno. Su cosa succederebbe se anche lui o lei desse “uno strappo” per poi ricomporre qualcosa di nuovo. In fondo Strappo nasce da questa esigenza personale, non da una ricerca artistica specifica.
Cosa vedremo a Barcellona nel 2027?
La cosa curiosa è che, una volta finite le stampe che avevo “in archivio”, mi sono trovato a stampare per strappare. Quindi le stampe che produco sono pensate per essere poi strappate e ricomposte. Per assurdo, lavorare in questo modo mi ha fatto staccare dal risultato-immagine della stampa, e a concentrarmi di può sulla grana della carta, sull’equilibrio e il dialogo delle linee, tutte cose che prima erano “nascoste” dalla perfezione della matrice e della composizione. A Barcellona porterò un approfondimento di questo aspetto: opere quasi monocromatiche e altre che mettono in relazione colori di carte diverse per creare un’armonia prima cromatica e poi visiva.
Poi sto esplorando formati diversi dagli standard, opere quasi più simili a delle stele. Come detto, sono all’inizio di una fase esplorativa. Barcellona sarà una occasione per raccogliere opinioni, confrontarmi con persone e forse ricevere ancora nuovi stimoli che mi porteranno alla mostra successiva.
Santa Nastro
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