La videoarte come strumento per indagare la realtà: intervista a Irene Mathilda Alaimo
Tra videoarte, antropologia e ricerca d’archivio, l’artista che vive tra Venezia e Roma ci racconta la sua poetica e i suoi ultimi lavori a partire dalla nuova installazione “The Making Of”
La sua pratica si muove sul confine tra arte visiva e indagine antropologica. Attraverso frammenti, posture e nuove ritualità quotidiane, Irene Mathilda Alaimo (Roma, 2000) utilizza il video e l’archivio come lenti di ingrandimento sul reale, indagando ciò che si nasconde dietro le abitudini più semplici e apparentemente banali e facendo emergere le fragilità, i desideri e le tensioni della nostra epoca. La sua installazione più recente, The Making Of (2026), è attualmente esposta a Venezia nell’ambito della mostra Da cosa nasce cosa. Atelier 2025–2026. L’abbiamo incontrata per approfondire il suo processo creativo e i temi al centro della sua ricerca.
Intervista alla videoartista Irene Mathilda Alaimo
“The Making Of” si presenta come un catalogo iconografico del corpo posseduto, costruito attraverso materiali d’archivio: programmi televisivi, documentari, backstage di film horror e scene di purificazione. Come hai raccolto queste immagini? Da quali fonti sei partita e come hai deciso quali materiali mettere in relazione?
A seguito di Rapture, progetto dedicato all’estasi come formula di rapimento mediale, volevo approfondire la perdizione del sé mediata dagli apparati mediali e rintracciare le genealogie della rappresentazione del corpo posseduto: come si costituisce e si consolida un’iconografia nell’immaginario collettivo? Ho messo in relazione materiali molto diversi: dalla frenesia delle Menadi agli studi ottocenteschi sull’isteria, dai fenomeni paranormali agli studi sull’epilessia, fino ai rituali di esorcismo finiti in processi per omicidio e alla retorica dei film horror. Questo archivio esteso e apparentemente dissonante rivela tanto la violenza insita nel medium documentario quanto l’artificiosità con cui viene costruita una figura che ci sembra familiare. È la ripetizione di una formula visiva della possessione, soprattutto femminile, a conferirle un carattere di realtà. Questo rapporto tra rappresentazione e produzione del reale ha guidato la selezione dei materiali, organizzati in tre capitoli sul legame tra performance corporea, intrattenimento, credenza e dispositivi di ripresa.
Nel montaggio, immagini lontane nello spazio e nel tempo sembrano ricomporsi in una grammatica visiva condivisa della possessione. Ti interessava mostrare come una credenza prenda forma attraverso le immagini, oppure osservare come i media contribuiscono a produrre ciò che viene percepito come reale?
Il montaggio, pur essendo minimale, è il fattore principale nell’individuazione delle ricorrenze. Mi interessava costruire una ritmicità ossessiva, ripetitiva e asfissiante: da qui il ricorso al cut to black, che rende volutamente estenuante la visione. Nella saturazione di materiali simili emerge il rapporto tra media e produzione del reale, che comprende anche le credenze. Durante la ricerca mi ha colpito un saggio secondo cui parte della teoria medica sull’isteria si basava sulle fotografie del dottor Jean-Martin Charcot (1825-1893). Le pazienti venivano indotte e messe in scena in pose ispirate all’arte religiosa, come quelle di martiri, sante e figure liberate dai demoni. È un esempio efficace del potere della rappresentazione nel creare non soltanto il reale, ma anche il mito.
Nei tuoi video il folklore non appare come una sopravvivenza immobile del passato: rituali, apparizioni e credenze si trasformano passando attraverso telecamere, archivi e schermi. Come studi e rielabori queste pratiche? Che cosa cambia quando una ritualità viene documentata e circola nell’ambiente digitale?
Folklore, credenze e superstizioni, che possono sembrare lontani dalla nostra epoca, stanno vivendo una forte rinascita in diverse community, tra generazioni passate e nuove. Alcuni fenomeni, nati e cresciuti, online sono particolarmente interessanti per la loro ambiguità: da un lato emerge un appiattimento della conoscenza delle fonti tradizionali e una difficoltà ad accedere al trascendentale canonico; dall’altro, il sincretismo di queste ritualità rimescola e mette in discussione il paradigma mediale e informazionale che ci assoggetta. L’utente diventa così, paradossalmente, consumatore e demiurgo. I sistemi di credenze, nel corso della storia, si sono sempre sviluppati anche grazie alla tecnica: tra questi due elementi, apparentemente opposti, esiste un intreccio indissolubile. Oggi assistiamo a un nuovo assestamento di questa relazione.
In “How to Document a Miracle in the XXI Century: the Miracle of the Sun” l’immagine può diventare oggetto di venerazione. Come lavori sul confine tra testimonianza e costruzione visiva? In che modo la documentazione trasforma la credenza che sembra limitarsi a registrare?
La reazione degli utenti ai video di presunti “miracoli catturati dalla videocamera” mi ha spinto a realizzareHow to Document a Miracle in the XXI Century: the Miracle of the Sun. Anche davanti a ipotesi di manipolazione digitale o di aberrazione del medium, queste immagini suscitavano venerazione. La documentazione può dunque eccedere la propria funzione e diventare essa stessa un oggetto miracoloso? Possiamo percepire la singolarità di un miracolo attraverso lo schermo del computer? Credo che negli ultimi decenni sia avvenuto uno spostamento di paradigma, una sorta di ibridazione tra il mezzo di rappresentazione e il suo contenuto.
In “The Making Of” e nella serie “Levitation”, immagini e storie del passato tornano nel presente con una qualità perturbante. Ti riconosci nell’hauntology di Mark Fisher? Come ti aiuta questo concetto a pensare la persistenza delle immagini folkloriche e la loro trasformazione nella cultura visuale contemporanea e digitale?
Credo che, inconsapevolmente, il mio rapporto con le immagini sia hauntologico: un rapporto ossessivo, in cui sono perseguitata da visioni caotiche e sconnesse finché non emerge un legame sotterraneo tra loro. Oggi le immagini della tradizione si svincolano dal contesto originario e vengono continuamente mescolate con materiali eterogenei, dando vita a nuovi “sistemi di credenze” e narrazioni singolari, spesso difficili da ricondurre a una genealogia precisa. Il digitale accelera questo processo: rende le immagini sempre disponibili, riproducibili e manipolabili, talvolta svuotandole di contenuto ma favorendo un rapporto intimo tra l’utente e la propria narrazione.
Tra i tuoi lavori, qual è quello a cui ti senti più legata e perché? C’è un’opera che senti particolarmente vicina a un immaginario perturbante? Quali film o video di altri autori consiglieresti a chi vuole avvicinarsi alla tua ricerca?
Probabilmente The Making Of è il lavoro a cui mi sento più legata in questo momento. È il risultato di una ricerca durata un anno e mi ha permesso di esplorare un immaginario orrorifico che non ero mai riuscita a far emergere nella mia pratica. Tra le opere che sento vicine e che consiglio ci sono We Are All Going to the World’s Fair (2021) di Jane Schoenbrun, Inland Empire (2006) di David Lynch, Pulse (2001) di Kiyoshi Kurosawa e All About Lily Chou-Chou (2001) di Shunji Iwai.
Francesco Maria Guerriero
Venezia // fino al 22 novembre 2026
The Making Of (2026), 1 ora e 12 minuti. Irene Mathilda Alaimo. Da cosa nasce cosa. Atelier 2025–2026
FONDAZIONE BEVILACQUA LA MASA – Piazza San Marco, 71/C
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