Ora d’oro. Percezioni variabili
La mostra inaugurale del nuovo corso Ora d’oro. Percezioni variabili. In programma dal 16 novembre 2026 al 15 aprile 2027, l’esposizione riunisce opere di artisti di fama internazionale
Comunicato stampa
S’EF-Fondazione Sant’Elia della Città Metropolitana di Palermo inaugura la nuova fase di rilancio istituzionale e culturale aprendo al pubblico le porte di Palazzo Sant'Elia con un progetto espositivo che attraversa la ricerca di importanti artisti internazionali invitando a riflettere su concetti fondamentali come verità, libertà, memoria e partecipazione democratica, che rischiano oggi di ridursi a formule retoriche svuotate della loro autentica forza critica.
Dal 16 novembre 2026 al 15 aprile 2027, ORA D’ORO. PERCEZIONI VARIABILI, a cura di Cesare Biasini Selvaggi, Gianluca Collica e Patrizia Monterosso, riunisce in nove sale del settecentesco piano nobile di Palazzo Sant’Elia trentacinque opere di Mirosław Bałka, Jonas Burgert, Martin Eder, Silvia Giambrone, Ilya ed Emilia Kabakov, Shirin Neshat, Alfredo Pirri, Anselm Reyle e Thomas Schütte, provenienti da importanti musei, fondazioni, gallerie o dalle stesse collezioni degli artisti invitati. Il percorso espositivo presenta alcune delle ricerche più originali, visionarie e impegnate della storia dell’arte contemporanea attraverso la sperimentazione di diversi linguaggi in quanto strumento di conoscenza, dalle installazioni alla scultura, alla pittura, fino al video.
L’inaugurazione della mostra, venerdì 13 novembre dalle ore 18.30, è accompagnata dalla musica, con il concerto “Diego Spitaleri piano solo”. Il pianista e compositore siciliano, che in oltre quarant’anni di carriera ha attraversato generi musicali diversi, propone per l’occasione brani del suo primo album e composizioni più recenti. Una ricerca melodica che intreccia sonorità classiche, neoclassiche e contemporanee, esprimendo il profondo legame dell’artista con la Sicilia e le culture del Mediterraneo.
ORA D’ORO. PERCEZIONI VARIABILI nasce da una riflessione sulla crisi della contemporaneità, segnata da conflitti diffusi, dalla perdita di riferimenti condivisi e da una progressiva disgregazione simbolica. L’accelerazione mediatica, la semplificazione e la spettacolarizzazione del linguaggio svuotano della loro necessaria forza critica non solo concetti fondamentali come verità, libertà, memoria e partecipazione democratica, ma anche la stessa esperienza della percezione di ciò che esiste intorno a noi e lontano da noi. La mostra si propone pertanto come un laboratorio di percezioni variabili, una palestra di “riabilitazione” della visione e della visionarietà sulla realtà mediante le ricerche degli artisti selezionati. Il pubblico potrà sperimentare la “percezione immersiva” di Ilya ed Emilia Kabakov, la “percezione perturbante” di Silvia Giambrone, la “percezione disvelante” di Martin Eder, la “percezione espansiva” di Alfredo Pirri, la “percezione della soglia” di Mirosław Bałka, la “percezione consapevole” di Anselm Reyle, la “percezione proiettiva” di Thomas Schütte, la “percezione sospesa” di Jonas Burgert e la “percezione onirica” di Shirin Neshat.
«La scelta del titolo non è decorativa. È la tesi stessa della mostra. ORA D’ORO è quel breve intervallo in cui il sole è basso sull’orizzonte e la luce si fa calda, radente, avvolgente: è un momento di transizione per eccellenza: né giorno né notte, né luce piena né buio. Se l’ora d’oro è un fenomeno fisico oggettivo, la percezione che ne abbiamo non lo è mai. La mostra fa propria questa variabilità e la trasforma in metodo: non propone un messaggio univoco, né una narrazione che si sovrappone all’opera per orientarla, come spesso accade quando l’arte viene assorbita dai meccanismi della comunicazione e del consumo. In questo senso, la mostra vuole essere un invito e un’avvertenza insieme: non esiste una sola luce, non esiste una sola lettura. Esiste un campo di tensioni emotive e cognitive in cui significato ed esperienza si generano reciprocamente. Solo accettando che la percezione sia aperta, stratificata, mai definitiva, è possibile restituire profondità all’esperienza umana e sottrarre l’arte all’indifferenza che normalizza violenza e anonimizzazione», afferma Patrizia Monterosso, sovrintendente di S’EF-Fondazione Sant’Elia.
Il percorso espositivo
Articolato al piano nobile in una sala didattica (allestita subito dopo la prima) e otto sale espositive, la ricerca di ogni artista e il suo senso per la percezione sono presentati al pubblico in dinamico contrappunto dialettico di relazioni tra il tempo presente e la storia, quest’ultima rappresentata dall’architettura e dai cicli di affreschi allegorici della dimora principesca, appartenuta fin dal XVII secolo ai Celestri marchesi di Santa Croce, ammodernata ed abbellita nel 1770, passata nel 1856 ai Trigona principi di Sant’Elia, quindi acquisita dalla Città Metropolitana di Palermo.
Sala 1 – Ilya ed Emilia Kabakov
Ad accogliere il pubblico al piano nobile c’è l’installazione “totale” monumentale dal titolo emblematico Where Is Our Place? (2003), uno dei capolavori del duo Ilya Kabakov (Dnepropetrovsk, URSS, 1933-Long Island, USA, 2023) ed Emilia Kabakov (Dnepropetrovsk, URSS, 1945) che la rivista ArtNews ha incluso tra i dieci artisti contemporanei più influenti al mondo. Alla fine degli anni Ottanta inizia la loro collaborazione artistica (si sposeranno poi nel 1992) saldata sull’asse dell’incontro tra memoria personale, storia collettiva e immaginazione. L’installazione, proveniente dalla collezione del MAXXI-Museo Nazionale delle Arti del XXI secolo, mette in scena due personaggi giganteschi, abbigliati con vestiti di fine Ottocento, intenti ad ammirare quadri antichi appesi alle pareti. La sommità di queste opere, al pari di quella dei personaggi, è celata alla vista dal soffitto, mentre all’altezza dello sguardo del visitatore c’è una serie di fotografie, con modeste cornici di legno. Sotto il pavimento, con un ulteriore scarto dimensionale, si svolge un paesaggio composto da montagne, colline e campi. Se lo spettatore si abbassa, risultano visibili anche le automobili, gli animali, le persone, un intero mondo sconosciuto, proprio come succede ai giganti che, visibili fino alla cintola, non sanno niente del panorama che sta sotto di loro. Where Is Our Place? suggerisce una “percezione immersiva” in cui l’opera non chiede soltanto di essere osservata, ma di essere attraversata, abitata e mentalmente attivata. Entrando nell’installazione, il visitatore diventa parte dell’utopia visionaria e modifica continuamente il proprio punto di vista. «Questa poetica “percezione immersiva” evocata dai Kabakov ben introduce il pubblico alla dorsale concettuale dell’intera esposizione, a partire dal senso per la libertà. Lo straordinario duo reitera l’invito, sempre attuale, a considerare la realtà, il nostro tempo, in un’ottica di senso critico e di responsabilità etica» dichiara Cesare Biasini Selvaggi. «L’attuale sovrapproduzione di immagini e informazioni frammenta, in modalità senza precedenti, la percezione del mondo e rende fragile il confine tra esperienza e costruzione ideologica. L’installazione “totale” dei Kabakov hackera la tentazione a reagire con indifferenza, una condizione culturale correa di normalizzare, ancora una volta nella storia, violenza, ingiustizia e perdita di umanità».
Sala 2 –La sala didattica
Il posizionamento della sala didattica con informazioni sugli autori in mostra e le loro opere – immediatamente dopo la prima sala espositiva e subito prima delle successive – risponde a una precisa scelta curatoriale ed esperienziale. La prima sala intende infatti offrire al pubblico un contatto diretto con l’opera dei Kabakov privo di mediazioni concettuali o condizionamenti teorici. È un momento fondamentale di scoperta autonoma per decodificare ciò che si è appena vissuto e per prepararsi a ciò che si vedrà subito dopo. La sala didattica si propone così di agire da spazio di transizione ed elaborazione: non impone una tesi, ma dota il pubblico delle informazioni per abitare quella tensione concettuale, lasciando che il percorso nelle sale seguenti sia un’esperienza di ascolto e di interpretazione ancora più consapevole, personale e introspettiva.
«La mostra intende restituire centralità alla dimensione narrativa interna dell’opera: una narrazione che emerge dalla sua struttura formale, materiale e simbolica, senza imporsi come un messaggio precostituito», spiega Gianluca Collica.
Sala 3 – Silvia Giambrone
Anche le sei opere di Silvia Giambrone (Agrigento, 1981) introducono una frattura nell’evidenza dello sguardo, tra ciò che vediamo e ciò che crediamo di conoscere. Quella dell’artista è una “percezione perturbante” che carica di senso il concetto di verità, mettendo in crisi il riconoscimento immediato della realtà: ciò che appare familiare, domestico o rassicurante rivela progressivamente un’altra natura. Non cambia necessariamente quindi ciò in cui il pubblico si imbatte, piuttosto la certezza con cui lo riconosce. Così in Mirrors (2026) lo specchio, tradizionalmente associato al riflesso di sé, non restituisce l’immagine dello spettatore, ma una superficie opaca attraversata da spine. Nella serie Cage #1 (2025), Cage #2 (2025) e Cage #3 (2026), oggetti quotidiani come l’orologio, il vaso e il vassoio rimangono intelligibili, tuttavia sono sottratti alla loro funzione. In The Western Book (2016-2025), il filo spinato modifica la configurazione del libro in relazione al punto di osservazione. In I Lie (2026) è il linguaggio stesso a perdere la propria funzione rassicurante: ciò che è leggibile non garantisce necessariamente la verità di ciò che afferma.
Sala 4 – Martin Eder
La ricerca pittorica di Martin Eder (Augusta, Germania, 1968) si fonda sulla distanza tra visione e comprensione. La sua pittura non nega la possibilità di vedere, ma mette in discussione la convinzione che vedere significhi automaticamente conoscere. La perfezione formale dei suoi otto dipinti in mostra (Erkenntnis läuft auf zerriss’nen Sohlen-Cognition, 2015; Karmageddon, 2022; I Became the Drug I Always Craved, 2023; Stillness, 2017; Skull with Bird, 2023; Ein Gewirr von engen Gassen, 2026; No Peace for the Lustful, 2020; Gender Bender, 2022) offre allo spettatore l’esperienza di una “percezione disvelante”: l’atto della visione corrisponde all’attraversamento dell’apparenza fino al riconoscimento di ciò che essa nasconde. La perfezione dell’apparenza lascia spazio alla complessità del reale, ricordando che ogni condizione di equilibrio, come quello dell’ordine costituito, è sempre destinata alla provvisorietà e alla possibilità di ribaltamento.
Sala 5 – Alfredo Pirri
La ricerca di Alfredo Pirri (Cosenza, 1957) può essere letta alla stregua di una continua riflessione sulla percezione e sulla capacità dell’opera di produrre uno spazio che non coincide con la sua dimensione fisica. Pirri, con le tre opere eseguite tra il 2007 e il 2008 dal titolo Canto I, Canto II e Canto III, introduce all’esperienza di una “percezione espansiva”. Questi suoi lavori oltrepassano i propri confini fisici e si prolungano nello spazio attraverso la luce, coinvolgendo il corpo e lo sguardo dell’osservatore. Il trittico Canti, realizzato a partire dalla pellicola cinematografica, sviluppa una progressiva trasformazione della luce: in Canto I è contenuta nella materia, in Canto II si espande nello spazio, in Canto III diventa dispositivo della visione. La trilogia costruisce così un’esperienza percettiva dinamica, nella quale la luce non è soltanto ciò che rende visibile, ma ciò che modifica la relazione tra opera, ambiente, pubblico e tempo.
Sala 6 e 6 bis - Mirosław Bałka
Il linguaggio essenziale e rigoroso della ricerca di Mirosław Bałka (Varsavia, Polonia, 1958) trasforma materiali comuni (acciaio, cemento, legno, sapone, cenere, sale, feltro) in potenti dispositivi evocativi, capaci di attivare una riflessione che restituisce forza critica al concetto di memoria, nella sua declinazione collettiva, attorno ai temi dell’assenza, della vulnerabilità dell’esistenza umana e dell’esperienza individuale. Nelle sei opere in mostra (250 × 14 × 13, 2017; Afrodyta/Melos, 2021; 2 × (250 × 200 × 100) + Irma, 2006; 61 x 59 x 31/Sereno è, 2006/2017; 215 × 135 × 60, 2005; What are your possibilities, man?,2017) la percezione non aggiunge necessariamente qualcosa, ma rende accessibile ciò che era già presente e non ancora pienamente colto alla vista. La ricerca dell’artista polacco conduce a una “percezione della soglia”, nella quale il visibile non esaurisce ciò che può essere percepito e la realtà della visione può manifestarsi nell’assenza, nella traccia o nel ricordo. L’opera diventa un dispositivo di attenzione in cui corpo, materia e tempo permettono di entrare in relazione con ciò che permane ai margini dello sguardo.
Sala 7 - Anselm Reyle
La poetica di Anselm Reyle (Tubinga, Germania, 1970) nasce dalla rilettura critica dell’astrazione modernista con l’impiego di materiali industriali, superfici riflettenti e oggetti appartenenti alla cultura del consumo. La sua ricerca conduce il visitatore dalla variabilità dell’immagine alla variabilità dell’esperienza lungo un processo di “percezione consapevole”. La luce, il colore, la materia riflettente e il movimento del corpo dello spettatore non modificano soltanto ciò che appare, ma possono modificare il modo stesso in cui il fruitore sceglie di disporsi davanti a ciò che intende osservare. I quattro lavori nel percorso espositivo (Untitled, 2026; Untitled, 2009; Untitled, 2008; e il complesso plastico di Ceramics with Neon, 2026) aprono pertanto al pubblico uno spazio di passaggio: dalla percezione dell’oggetto alla consapevolezza del proprio atto percettivo, e da questa alla possibilità di una diversa condizione interiore, a una dimensione “trascendente” non contenuta nell’immagine, ma generata dall’esperienza che l’immagine attiva. Questa dimensione “contemplativa” nasce da questa sospensione, dal momento in cui lo sguardo rallenta, rinuncia alla pretesa di fissare definitivamente ciò che vede e si lascia coinvolgere dalla sua continua variazione.
Sala 8 - Thomas Schütte | Jonas Burgert
È soprattutto attraverso l’architettura che Thomas Schütte (Oldenburg, Germania, 1954) sottopone a verifica le promesse e le contraddizioni della modernità, lo svuotamento dei concetti di verità, libertà, partecipazione democratica, intesi in quanto “senso per il possibile”. L’architettura nella ricerca dell’artista tedesco viene spogliata della sua funzione puramente tecnica e considerata come una struttura capace di condizionare il comportamento umano e la sua visione sulla realtà: una griglia che – è il caso di The Tower of Talkers (2006) – può accogliere la comunità o, al contrario, isolare l’individuo; uno spazio di incontro che può trasformarsi in una struttura di controllo; una forma destinata alla protezione che può assumere anche la configurazione della trappola o di un ambiente di sorveglianza. L’opera in mostra introduce una forma di “percezione proiettiva”, laddove “percepire” significa allora “riconoscere”, dentro una forma presente, ciò che essa è in grado di rendere possibile.
Nella pratica di Jonas Burgert (Berlino, Germania, 1969) la variazione percettiva viene invece prodotta all’interno dell’immagine pittorica. Nelle cinque opere selezionate (Sichschliss, 2025; Erdwert klärt, 2024; Sturgut, 2025; Dir die Stunde, 2013/2026; Wundschön, 2024/2025) non è necessariamente il mondo rappresentato a cambiare, ma il sistema di relazioni con cui lo spettatore è portato a guardarlo. Uno spazio familiare può così diventare estraneo; un corpo può confondersi con la vegetazione; un volto può apparire subito riconoscibile e allo stesso tempo inaccessibile; una figura può guardare il pubblico e trasformarne la postura di osservazione. La pittura non sostituisce una realtà con un’altra, al contrario aziona una sorta di “percezione sospesa” che rende instabile quello che il visitatore crede di conoscere e di riconoscere di fronte a sé sulla superficie della tela, rivelando quello spazio intermedio tra il mondo e lo sguardo individuale, aperto e ancora da attraversare. Le immagini fantastiche ordite dal pittore tedesco non costituiscono pertanto una fuga dalla realtà: permettono di rendere visibile la condizione individuale immersa in un mondo infinitamente più complesso della propria capacità di comprenderlo.
Sala 9 - Shirin Neshat
L’“artivismo” di Shirin Neshat (Qazvin, Iran, 1957) ruota attorno ai temi di identità, genere, religione, potere, libertà ed esilio. La sua ricerca, pur affrontando “sensibili” questioni politiche e sociali, mantiene sempre una forte componente estetica, simbolica e poetica. All’interno della mostra, il video digitale Illusions & Mirrors (2013) introduce quella sua particolare forma di “percezione onirica” sulle cose. Lo spettatore non è invitato a guardare una realtà neutrale, ma una realtà filtrata, deformata e resa incerta. Il mondo esterno sembra così diventare una proiezione di uno stato interiore. La percezione non registra semplicemente ciò che accade, ma partecipa alla sua costruzione. L’opera di Neshat estende quindi il concetto di percezione oltre il “piano ottico”, catapultandolo sui confini permeabili tra realtà e immaginazione, interno ed esterno, identità e alterità. Percepire significa allora anche dubitare di ciò che si vede, riconoscere l’influenza dell’inconscio nella pratica della visione e accettare che la realtà non si presenti sempre come qualcosa di stabile e immediatamente interpretabile.
