In una mostra a Torino l’arte è uno strumento di cura che si può indossare
11 sculture-copricapo di Raffaella Baldassarre sono al centro della mostra visitabile fino al 20 novembre 2026 da Videoinsight Foundation. I visitatori sperimentano il contatto fisico con le opere, dando vita a un rituale collettivo di rinascita
Cinquanta persone sedute, altre centocinquanta in piedi, assistono in silenzio a una singolare cerimonia nel candore quasi perfetto del white cube che ospita la Videoinsight Foundation di Torino. È il 30 ottobre, nel pieno dell’Art Week cittadina. Una dopo l’altra vengono chiamate undici giovani donne, altrettante Ipazie ideali, modelle e insieme interpreti di una performance nella quale Raffaella Baldassarre veste i loro corpi con le proprie sculture morbide, cucite e ricamate a mano. Ecco, poi, Flourish, una spirale di spugna dalla quale sbocciano fiori di tessuto e piume. “Chiudersi per nutrirsi, aprirsi per fiorire”, sostiene l’artista. In Rompicapo una moltitudine di bottoni ricopre la testa, come una tastiera ossessiva: “Salto da un bottone all’altro come sui tasti di un pianoforte e quando arrivo alla fine ricomincio”. Con Riparo, coppe di reggiseno e spirali di perline costruiscono un casco contro l’insostenibilità del reale: “A volte occorre proteggere la vista da una realtà insostenibile”.
La performance di Raffaella Baldassarre nella mostra “Bloom”
Le undici figure si succedono in una sorta di incoronazione laica, dalle suggestioni quasi jodorowskiane: come nella psicomagia del regista e artista cileno Alejandro Jodorowsky, il gesto simbolico diventa un’azione concreta, capace di dare forma visibile a conflitti interiori. Non semplici modelle, dunque, ma presenze che incarnano altrettanti modi di proteggersi, nascondersi, esporsi al mondo. Tra il pubblico anche il regista premio Oscar Paolo Sorrentino. Ma il vero protagonista del rito è il passaggio dall’oggetto alla relazione: undici identità, undici modi differenti di portare sul capo il peso, o forse la leggerezza, della propria esistenza.
Dalla contemplazione dell’opera al contatto
L’arte può guarire? E, soprattutto, che cosa può curare? Se oggi si parla sempre più spesso di prescrizioni culturali, di musei ed esperienze estetiche come strumenti di benessere psicofisico, resta aperta la questione fondamentale: attraverso quali processi un’opera può agire sulla nostra interiorità? La ricercatrice e collezionista Rebecca Russo, specializzata in psicoterapia, fondatrice di Videoinsight, ne è convinta al punto da aver sviluppato e brevettato un metodo che utilizza la videoarte in ambito psicologico e clinico, oggetto da anni di studi e applicazioni. La sua ultima proposta, Bloom. L’arte per la cura, sposta però il baricentro dall’occhio al corpo, dalla contemplazione al contatto. Protagoniste sono undici sculture indossabili come corone, maschere o elmetti.
Le sculture indossabili di Raffaella Baldassarre
Oggetti apotropaici, strumenti simbolici di protezione e autoguarigione, concepiti per dialogare con le complesse configurazioni della psiche contemporanea, tra nuovi narcisismi, fragilità identitarie, anaffettività e rinnovati bisogni di relazione. Lontani dal design e dalla moda, questi copricapi nascono da necessità psicologiche, intuizioni poetiche e interrogativi filosofici. Baldassarre sembra rinnovare il gesto di Aracne, la tessitrice della mitologia greca che osò sfidare Atena nell’arte della tessitura e fu trasformata in ragno: figura di un sapere manuale che è capace di sfidare, attraverso la creazione, le diverse forme di potere e di sopruso che danno forma al mondo. Come lei, l’artista intreccia materia e destino, costruendo forme che avvolgono, proteggono, nascondono, imprigionano o liberano la sede del pensiero e dei sensi. La testa diventa “piedistallo”, ma anche teatro del cambiamento interiore.
Quando l’opera diventa cura collettiva
“La cura dell’arte nella mostra Bloom passa attraverso il contatto con l’opera. Non più solo attraverso la visione”, spiega Rebecca Russo, che individua nella partecipazione fisica una trasformazione radicale dell’esperienza estetica. L’opera cessa di essere un oggetto distante, protetto dall’interdizione del toccare, per diventare un oggetto relazionale, da “abitare”. Il gesto, la percezione tattile e la modificazione della postura introducono quello che la psicologia definisce embodiment: un’esperienza incarnata nella quale il corpo partecipa direttamente alla costruzione del significato. È un ribaltamento della tradizionale relazione tra soggetto e oggetto, osservatore e osservato. La scultura non si limita a stare davanti a noi, diventa una protesi simbolica, un’estensione provvisoria del nostro vissuto emotivo. Russo interpreta questa esperienza anche in termini psicodinamici. Il pubblico, chiamato a vestire le sculture per tutta la durata della mostra, non subisce più passivamente l’immagine, ma agisce, sceglie, partecipa. Nel rituale collettivo la sofferenza individuale può trovare una forma di riconoscimento condiviso, mentre l’azione simbolica favorisce processi di elaborazione affettiva. Un’ipotesi affascinante, che non equivale naturalmente a dimostrare un’efficacia terapeutica clinica delle singole opere. Ma che ripropone una domanda decisiva: e se il potere dell’arte non consistesse soltanto nel rappresentare il mondo, ma anche nel trasformare, almeno temporaneamente, il nostro modo di abitarlo?
Sculture per proteggere la mente
“Questi copricapo sono opere da indossare. Caschi, elmetti, corone, mitre. Vorrei che tutti ne avessero uno, non proteggono dal freddo e neanche dal caldo. Sono scudi, oppure spugne”: nelle parole di Raffaella Baldassarre è racchiusa una poetica della fragilità e della resistenza, affidata a materiali poveri, domestici, spesso recuperati: imbottiture, bottoni, reggiseni, cerniere lampo, perline, coralli, garze e tessuti. Oggetti quotidiani sottratti alla loro funzione e trasformati, attraverso il lavoro paziente del cucito e del ricamo, in dispositivi immaginari di sopravvivenza. In Rompicapo (2025), realizzato con spugna e bottoni cuciti a mano, il pensiero ossessivo prende la forma di un movimento senza fine, mentre Riparo (2025), composto da coppe di spugna, perline e tessuto ricamato, materializza il bisogno di schermarsi da una realtà talvolta insostenibile. La spugna, materiale ricorrente, è scelta dall’artista per la sua capacità simbolica di assorbire il peso dei pensieri. Black Memories (2026), costruito con imbottiture ricamate a mano, introduce invece il rapporto instabile con la memoria e la fatica del fare. “È oscillare tra le contraddizioni, camminare sui trampoli del forse e del mai la mia abilità circense più sviluppata”, confessa Baldassarre, immaginandosi acrobata sospesa tra possibilità e fallimento. Il suo imperativo è tanto semplice quanto vertiginoso: “Non cadere sui ricordi”. In Closed (2026), una retina per parrucca interamente ricoperta di cerniere lampo chiuse rivendica il diritto di sottrarsi al mondo. “Potrei aprirle se volessi. Ma non voglio”, scrive l’artista. Anche chiudersi può essere un atto liberatorio. Diade, composta da due corone concentriche, indaga invece la relazione con l’altro, perfino con quell’alterità che abita dentro di noi: due individualità che possono separarsi senza cessare di appartenere alla medesima struttura.
Storia, arte e cultura nell’opera di Raffaella Baldassarre
Salarimen, ispirato al corno ducale indossato dal doge veneziano Leonardo Loredan nel celebre ritratto di Giovanni Bellini, rovescia l’emblema dell’autorità in un’interrogazione sul potere con il suo riferimento al gioco giapponese Acchiappa la talpa, nel quale una mano colpisce con un martello le figure che emergono dalla tana. “È questo il significato della parola potere? E tu chi sei, la talpa o il martello?”, domanda Baldassarre, trasformando un copricapo regale in una metafora dell’alternanza tra dominio e sopraffazione. Infine, Ipazia (2026), realizzata con centrino, coppe di spugna, corallo, perle e catena, rende omaggio alla filosofa e matematica alessandrina, assassinata nel 415 da una folla di fanatici cristiani. Simbolo della libertà del pensiero contro la violenza del religioso, Ipazia rivive in un’opera che evoca insieme il martirio e la rinascita. I coralli cuciti sulla parte occipitale, con la loro struttura calcarea capace di proteggere i tessuti vulnerabili dell’animale, diventano metafora della sapienza: “Non è durezza per attaccare, è durezza per custodire, resistenza gentile”. Forse è proprio questa la chiave di Bloom: restituire all’arte la possibilità di accompagnare le nostre “inevitabili” metamorfosi; perché fiorire, talvolta, significa innanzitutto imparare a proteggere ciò che di noi rimane fragile.
Nicola Davide Angerame
Torino // fino al 20 novembre 2026
BLOOM. L’ARTE PER LA CURA
VIDEOINSIGHT FOUNDATION – Via Ferdinando Bonsignore, 7
Scopri di più
Artribune è anche su Whatsapp. È sufficiente cliccare qui per iscriversi al canale ed essere sempre aggiornati
