Dipingeva sui muri, ora vuole dirigere un museo. Intervista all’artista IABO
Dall’incontro con Shepard Fairey alla scena urbana napoletana, fino al rapporto con le istituzioni e ai progetti per il futuro, IABO ripercorre oltre trent’anni di attività e racconta la propria visione dell’arte contemporanea
Napoletano, classe 1980, Salvatore Rocco, in arte IABO, comincia a dipingere nei primi Anni Novanta sui muri di Fuorigrotta e San Giorgio a Cremano, affermandosi presto tra le storiche crew KTM e 13Bastardi. Il suo primo intervento in strada è un disegno abbozzato con la scritta IABO OR DIE, ispirata al film cult sullo skateboard California Skate (Gleaming the Cube, 1989). Da lì prende forma la sua tag, la firma che ne definirà l’identità artistica, anche grazie alla vaga somiglianza con l’attore protagonista del film. Dopo gli esordi nel writing e la formazione all’Accademia di Belle Arti di Napoli, la sua ricerca si è sviluppata tra Stati Uniti ed Europa, portandolo a esporre in contesti come la Saatchi Gallery di Londra. Un percorso segnato dalla nascita del suo Leitmotiv, elemento che attraversa la produzione insieme a cicli come Pandemonium, War Brands e S/Orridi Cartoni. Il dialogo, che arriva in un momento importante del percorso di IABO, segnato dal recente riconoscimento alla carriera, parte dall’incontro con Shepard Fairey, per allargarsi alla pratica artistica di IABO, al rapporto con la città e alle sue idee sul ruolo delle istituzioni. Iniziamo.
IABO e l’incontro con Shepard Fairey
Com’è nato il primo contatto a Londra con Shepard Fairey? Ti aspettavi che la promessa di rivedersi a Napoli si concretizzasse così rapidamente?
È iniziato tutto grazie a un amico che mi ha suggerito di visitare la mostra Triple Trouble alla Heni Gallery di Londra: un evento a sei mani con Damien Hirst, OBEY e Invader. L’opening era affollato, la mostra strepitosa. A un certo punto ho intravisto Shepard: mi sono fatto spazio e mi sono presentato. Prima di salutarci gli ho chiesto quando sarebbe venuto a Napoli per fare qualcosa insieme. Lui ha sorriso e mi ha risposto: «Molto presto». Quella sera sono persino riuscito a portarmi a casa una Polaroid scattata e autografata da Shepard. Quanto alla promessa di vederci a Napoli, speravo accadesse, ma la rapidità con cui si è concretizzata ha sorpreso anche me. Il resto è storia.
Che valore ha avuto accogliere Shepard Fairey al Parco dei Murales di Ponticelli, nella periferia est di Napoli, con i dolci e l’ospitalità della tradizione di casa?
Shepard era sbarcato a Napoli per la sua antologica a Gallerie d’Italia e, durante quei giorni, ha regalato alla città due interventi monumentali: uno sulla scalinata di Donnaregina Nuova e l’altro, Third Eye Open Peace, a Ponticelli. Un’azione dal valore enorme: la conferma che Napoli è una capitale mondiale dell’arte urbana. La sua presenza era top secret, ma mentre dipingeva mi chiama un amico dicendomi: “IABO, vieni a Ponticelli, c’è OBEY e gli farebbe piacere rivederti!”. Da buon napoletano sono passato in pasticceria a prendere un bel vassoio straripante di babà e sfogliatelle. Sono arrivato e lui era lassù, a venti metri d’altezza sulla piattaforma elevatrice. Appena è sceso ci siamo riabbracciati e abbiamo aperto i dolci con tutto lo staff: un momento autentico e umano, a dimostrazione di come l’arte abbatte ogni distanza. Da lì è stata una settimana intensa tra opening, cene private e momenti d’intesa.
Com’è nata l’idea di realizzare un’azione spontanea insieme a Shepard Fairey e KAF, e come si sono integrati, sui vecchi spazi pubblicitari della città, i tre stili così differenti?
Durante una cena, Shepard mi dice che tra l’hotel e Corso Vittorio Emanuele aveva notato dei cartelloni pubblicitari in disuso: strutture arrugginite dal tempo che lo avevano ispirato ad attaccare i suoi mega poster. Mi guarda e mi chiede: “Ti va se usciamo a fare un’azione urbana insieme?”. La mia risposta è stata immediata: “Ma certo, boss!”. Ho chiamato subito KAF, il mio storico partner: “Preparati, stasera andiamo a fare bombing con OBEY!”. Non avendo nulla di pronto, ho preso delle giacenze dei manifesti della mia mostra al Museo PAN, ho ritagliato le date e ho tenuto la grafica centrale. KAF ha portato i suoi poster dipinti a mano.
Poi com’è andata?
Ci siamo fermati al primo impianto 6×3 abbandonato. Vedere srotolare dal vivo il suo iconico manifesto di Andre the Giant è stata pura adrenalina. Sullo stesso tabellone ho incollato il mio poster, seguito da quello di KAF. La serata è andata avanti, nel centro storico, documentata dagli scatti e dai video dell’amico FIDIA FALASCHETTI. Rientrato a Los Angeles, Shepard ha mandato a me e a KAF alcune litografie, in segno di gratitudine. Un gesto da signore dell’arte.
IABO e la sua pratica artistica
Com’è nato il tuo tratto così riconoscibile, caratterizzato dalla pulizia del segno grafico, dal rigore formale e dall’uso dell’ironia pop?
È il risultato di un’evoluzione naturale, che parte dalla strada per approdare all’arte contemporanea. Le mie radici affondano nella street art e nel writing: un universo fatto di sintesi visiva, velocità e padronanza tecnica dello spray e dello stencil. Con il tempo ho sentito l’esigenza di canalizzare quell’energia metropolitana verso una forma sempre più rigorosa e definita. La pulizia del segno e il rigore grafico nascono dalla volontà di sottrarre il superfluo per arrivare all’essenza del messaggio. Non mi limito a un solo linguaggio: la pittura su tela resta il mio punto di riferimento, ma spazio dalle installazioni ai video, fino alla performance.
Che ruolo ha l’ironia nel tuo lavoro?
L’ironia pop è il mio vero strumento. Attingo ai simboli della cultura di massa per creare cortocircuiti, rivestendo concetti complessi con un’estetica immediata. Dietro il tratto pulito c’è sempre un secondo livello di lettura: una trappola visiva che invita chi guarda a fermarsi, andare oltre la superficie e porsi delle domande.
Quanto ha inciso il tuo background nel writing e nelle storiche crew nella definizione di questa cifra stilistica attuale?
Moltissimo, è il mio DNA, la matrice da cui nasce tutto. Crescere nel writing e in crew storiche è stata una scuola di vita, di etica e di disciplina sul campo. Nelle crew impari l’attitudine, la velocità di pensiero, il rispetto per la strada e la ricerca di una firma originale. La competizione ti spinge a perfezionare il tratto fino a farlo diventare un gesto chirurgico. Ma, soprattutto, in quegli anni mi sono conquistato sul campo la mia street credibility: una legittimazione che non puoi comprare o improvvisare, ma che si guadagna in strada. Oggi sulla tela rielaboro quella lezione. I media e i contesti sono cambiati, ma lo spirito guida rimane lo stesso. Il writing mi ha insegnato a conquistare lo spazio, il rispetto e l’attenzione di chi guarda; tutto ciò che faccio oggi ne è la naturale conseguenza.
Come valuti la tua evoluzione stilistica nel passaggio continuo tra la strada e i contesti espositivi delle gallerie?
È una transizione fluida e organica, una maturazione. Per me strada e galleria non sono mondi in contrapposizione, ma due palcoscenici che richiedono tempi e fruizioni diverse. La strada ti impone un impatto visivo immediato: l’opera deve parlare in una frazione di secondo al passante distratto. La galleria o il museo ti regalano invece il lusso del tempo, dell’introspezione e del silenzio, permettendoti di curare il dettaglio, la matericità dei supporti e concetti più complessi. Ciò che si è evoluto non è l’anima della mia ricerca, ma la consapevolezza del mezzo e dello spazio. Sono fiero di aver mantenuto intatta la street credibility, nello spazio bianco senza perdere un solo grammo della sua carica provocatoria.
Guardando a una tappa fondamentale della tua produzione come l’antologica “Iabo 20th” al PAN, quanto è importante per te il radicamento con Napoli?
Il radicamento con Napoli per me è tutto. La mostra IABO 20th al Museo PAN non è stata solo una celebrazione dei miei vent’anni di percorso, ma una dichiarazione d’amore e di appartenenza alla città. Napoli non è un semplice scenario: è materia viva, un teatro a cielo aperto fatto di contrasti, sacralità e profanità. Vivere e produrre qui ti regala un’energia unica, insegnandoti a comunicare su più livelli e a mantenere un’attitudine schietta e senza filtri. Portare vent’anni di produzione al PAN è stato fondamentale per dimostrare come l’arte nata tra i vicoli possa dialogare con i grandi spazi museali. Girare il mondo o collaborare con artisti internazionali non significa mai allontanarsi da casa: il mio segno grafico e l’ironia pop parlano una lingua globale, ma la matrice e la street credibility rimangono orgogliosamente napoletane.
Come vedi lo stato della scena artistica locale, pensi che Napoli sia ormai un punto di riferimento internazionale per la creatività urbana?
Napoli dal punto di vista dell’arte è diventata la New York d’Europa. Lo dimostra il fatto che artisti da ogni parte del mondo la scelgono per sperimentare e misurarsi con il suo tessuto sociale. La città ha un’energia viscerale e una reattività unica. La scena locale è viva e pulsante, figlia di una tradizione fortissima che affonda le radici nella strada e nel writing. Oggi la città è un cantiere aperto per curatori, collezionisti e appassionati da tutto il mondo. Il vero passaggio di qualità sta nel non adagiarsi sul folklore, ma nel sostenere questa creatività con una visione rigorosa e internazionale. Qui l’arte non è un’operazione decorativa calata dall’alto, ma un linguaggio vivo e credibile: finché difenderemo questa verità, Napoli continuerà a dettare le regole e a ispirare la scena globale.
Vivendo e operando a Napoli, cosa ti aspetti oggi dalla tua terra in termini di crescita, attenzione e valorizzazione della creatività contemporanea?
Mi aspetto un salto di qualità culturale e gestionale, il passaggio da un entusiasmo spontaneo a una visione strategica di lungo periodo. Napoli ha un potenziale immenso, ma non può continuare a vivere di rendita o sull’iniziativa dei singoli artisti. Mi aspetto istituzioni coraggiose e competenti, capaci di dialogare con il contemporaneo senza burocrazie soffocanti. C’è bisogno di infrastrutture solide, spazi pubblici restituiti all’arte e politiche che valorizzino non solo le star di passaggio, ma chi qui vive e produce ogni giorno. Dobbiamo superare la logica del grande evento isolato per costruire un ecosistema sostenibile in cui musei, fondazioni, gallerie e spazi indipendenti facciano rete. Napoli ha dimostrato di essere una capitale dell’arte visiva; oggi deve dimostrare di saper gestire questo patrimonio con visione, rigore e lungimiranza.
Che significato ha per te ricevere il premio alla carriera in occasione della prima edizione della rassegna Napoli Beyond – Premio alle Culture Contemporanee?
Ricevere un premio alla carriera è una grande emozione: è come fermarsi a guardare indietro la strada percorsa, la fatica e le sfide affrontate in oltre trent’anni di attività. Che arrivi per la prima edizione di Napoli Beyond lo rende ancora più speciale, perché testimonia la volontà della città di valorizzare e proiettare verso il futuro i linguaggi del contemporaneo. Questo riconoscimento si aggiunge al Premio San Gennaro Day, a cui sono visceralmente legato e che per me ha avuto lo stesso valore di un Oscar. Chi vive d’arte sa che fare questo mestiere è una scommessa quotidiana e complessa. Vedere riconosciuto il valore del mio lavoro e dell’evoluzione dai graffiti ai grandi spazi espositivi dà un senso profondo a ogni sacrificio. Non considero questi premi come un traguardo finale, ma come energia per continuare a creare, provocare e portare il nome di Napoli sempre più in alto nel panorama internazionale.
Quali nuovi progetti o direzioni creative stai esplorando in questo momento per il tuo futuro?
In questo momento la mia ricerca si sta espandendo verso orizzonti molto ampi, forti dell’esperienza maturata in trent’anni tra strada, gallerie e grandi interventi urbani. Tra le direzioni che mi stimolano di più c’è il modello degli IABO WORLD Store Gallery: format basato su partnership fisiche per aprire store gallery dedicati nelle diverse città. È un’opportunità per democratizzare l’arte, espandere il brand e portare il mio segno grafico e l’ironia pop in nuovi contesti. Inoltre, sto lavorando alla realizzazione del mio primo museo, lo IABO WORLD MUSEUM, dedicato alla mia estetica e al mio percorso.
Ci puoi dire di più?
La mia è una visione a 360 gradi sul sistema arte, tanto che quest’anno mi sono candidato al bando pubblico per la Direzione del Museo MADRE di Napoli, presentando un libro/progetto di 70 pagine dal titolo “Si chiude una porta e si apre il Museo MADRE”. Lì affronto la figura de “L’artista direttore”: una proposta strategica su come la sensibilità e l’esperienza sul campo di un artista possano guidare un’istituzione museale con un approccio nuovo e fuori dagli schemi burocratici. Il futuro per me è un cantiere aperto: continua la pittura e la ricerca per i collezionisti, ma oggi le vere sfide sono l’IABO WORLD MUSEUM, la rete degli Store Gallery e la visione de “L’artista direttore”, mantenendo sempre intatta la mia street credibility.
Fabio Pariante
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