Publifoto Roma - Roma, il Presidente De Nicola firma la Costituzione Italiana - 27 dicembre 1947

È una mostra di 1.000 fotografie. E per quei poveri visitatori che varcano l’ingresso del parmense Palazzo del Governatore l’effetto può essere letale, soprattutto se l’intenzione è quella di guardarle tutte, e di leggersi pure tutte le didascalie. Per non parlare dello sforzo di decifrare lunghissimi pannelli di testo stampati con caratteri piccoli, spesso senza nemmeno un a capo, un respiro tra un periodo e l’altro.
Ma chi, con grande dispendio d’energie, stoicamente resiste fino all’ultima sala, o chi sceglie semplicemente di dare uno sguardo d’insieme ai gruppi affollati d’immagini, cosa si trova di fronte? L’esposizione è strutturata in base a cinque sezioni consequenziali: paesaggio, lavoro, rituali, ritratto, storie. Ogni percorso segue un ordine cronologico, dalle prime fotografie dell’Ottocento, passando attraverso tutte le tendenze che hanno animato il XX secolo, fino ad alcuni lavori recenti, come quelli di Francesco Jodice e di Paolo Novelli.
All’interno delle sezioni non c’è alcuna distinzione tra gli scatti firmati da celebri fotografi e quelli identificabili dalle etichette degli studi professionali: Luigi Ghirri e Alinari, Uliano Lucas e Publifoto, Mario Giacomelli e Studio Villani sono accostati senza scala gerarchica, in una prospettiva che vede nella fotografia uno strumento di comunicazione più che una personale creazione artistica.

Emilio Isgrò - Progetto per Italia (con l’artista) - 2012 - photo Marta Santacatterina

Il taglio della ricerca è quello dell’antropologia, della funzione “sociale” dell’immagine, ed è dimostrato dal rilievo dato alle fotografie degli anni centrali del XX secolo che documentano le maggiori problematiche italiane di quegli anni: dagli ambienti di lavoro agli scontri in piazza degli Anni Settanta, alla contestazione giovanile e alla trasformazione del territorio. Scelte che talvolta si connotano per un’evidente impostazione ideologica, ad esempio con le ricerche dei fotografi nel Mezzogiorno del Paese e con la fotografia d’impegno sociale, come i servizi realizzati dentro gli ospedali psichiatrici.
Lo scopo della mostra, oltre che festeggiare – ma un tantino in ritardo – l’Unità d’Italia, è di illustrare i modi di comporre, costruire, simboleggiare attraverso il mezzo fotografico, ricostruendo una sequenza di modelli di racconto dei cambiamenti dell’Italia, decennio dopo decennio. Ma l’antologia davvero troppo estesa, se risulta essere un’efficace panoramica di massima, corre il rischio di essere intesa come un’operazione autoreferenziale (in un momento peraltro di passaggio a una nuova amministrazione comunale, proprietaria dello spazio) che celebra, mediante una grande quantità di opere, l’importanza delle collezioni del CSAC.

Luigi Ghirri - Senza titolo (dalla serie In scala) - 1977-78

Collezioni che hanno la fortuna di arricchirsi ancora oggi, ad esempio con la donazione della grande tela realizzata per l’occasione da Emilio Isgrò e giustamente assurta a simbolo dell’esposizione: Modello Italia 2012, con la penisola colorata in gradazione di toni dell’arcobaleno, sopra la quale campeggiano tante cancellature, in un “vedo e non vedo” che ognuno può interpretare a suo modo.

Marta Santacatterina

Parma // fino al 10 giugno 2012
I Mille. Scatti per una storia d’Italia attraverso le collezioni CSAC
a cura di Gloria Bianchino e Arturo Carlo Quintavalle
PALAZZO DEL GOVERNATORE
Piazza Garibaldi
0521 218929
eventiculturali@comune.parma.it
www.palazzodelgovernatore.it

Reverse, exhibition view

Cagliari non è esattamente una delle capitali italiane dell’arte contemporanea. Forse è stata uno dei capoluoghi tra gli anni ’60 e i ’70, il periodo d’oro della Galleria Duchamp. Ma anche a questa attribuzione porta con sè un certo margine di errore. Oggi la città sarda è per l’arte contemporanea un ambiente ostile sia dalla parte del pubblico sia dalla parte delle istituzioni, che facilmente storcono il naso di fronte al non-figurativo e al concettuale. Eppure, in questo ecosistema per sua natura maldisposto, gli artisti Alessandro Biggio e Marco Lampis progettano Reverse.
C’è la volontà di dar vita ad uno studio d’artista condiviso, dove i materiali dell’uno e dell’altro si sommano, si intrecciano, mentre le opere sono collocate in risonanza sinergica, dentro a un’installazione ambientale costantemente alterabile. Lo studio, curato da Micaela Deiana, prende vita in una grande sala rettangolare del Centro Comunale. La prima fase, inaugurata il 14 aprile 2012 e in corso fino al 20 maggio, è allestita al Centro Comunale d’Arte e Cultura Exmà: la sala-studio si trasforma in spazio espositivo pubblico, un cantiere aperto ai visitatori che ha visto insediarsi gli artisti fin dal 23 marzo. Se fosse stato ripreso con una telecamera l’intero percorso, ci troveremmo davanti a un video di quasi 1400 ore.

Ma il progetto continua e ai due artisti si somma prima Pietro Mele, con un’inaugurazione il 27 Aprile, e successivamente il duo Quit Project, per una terza apertura il 9 Maggio.
Nell’atelier, condiviso da cinque artisti, si incontrano cenere, legno, cera, calce, suono, video, luci. I risultati non si fanno attendere: attraversando l’ambiente sembra di passeggiare in un antro, dove le opere create a dieci mani si fondono naturalmente nel pavimento e sulle pareti come stalattiti e stalagmiti, dando vita a un paesaggio unico e irripetibile.
Attraversandola la sala, priva di didascalie o testi, si giunge alla sezione d’archivio, nascosta dietro una parete. Qui, lunga una linea del tempo, fotografie, documenti e altri materiali permettono a un visitatore curioso di ricostruire la memoria delle varie fasi del processo creativo. Fasi-evento che altrimenti risulterebbero disperse.
Ciliegina sulla torta: diversamente dalle solite mostre, dove l’evento principale coincide con l’inaugurazione, a due giorni prima della chiusura – venerdì 18 maggio alle 17.30 – arriva l’incontro Reverse Talk. Riflessioni. Per un faccia a faccia con i visitatori, per sfrondare i dubbi ed avvicinare il pubblico cagliaritano all’arte contemporanea. Un progetto artistico, un po’ espositivo, un po’ didattico.

- Giorgio Piga

Il Tacheles di Berlino

«Mi piacerebbe partecipassero, e li invito, a un bando pubblico. E che vinca il migliore”. Parole di Giuliano Pisapia, Sindaco di Milano, rivolte agli occupanti del grattacielo Galfa, ormai passato alla storia come Macao. Pisapia che ha solidarizzato, ha supportato, poi ha tentennato e infine ha sgomberato. Promettendo, però, di offrire uno degli spazi dell’ex Ansaldo, in zona Tortona. A fronte di regolare partecipazione a un bando, chiaramente. Freddina la reazione degli occupanti, che continuano a ribadire che la questione non è lo spazio in sé, ma il progetto politico che non si deve arrestare.
E in soccorso, tra le molte voci giunte dalla società civile e dal mondo della cultura, arriva anche quella di Barbara Fragogna, curatrice del Kunsthaus Tacheles di Berlino. Anche quello uno spazio simbolo, un luogo con una ventennale storia di produzione artistica  (prima oggetto di una occupazione, poi gestito tramite un regolare affitto simbolico), oggi al centro di una controversa vicenda: la proprietaria HSH Nordbank avrebbe ottenuto lo sfratto degli eccentrici inquilini, decisa a demolire l’immobile per costruire al suo posto un hotel deluxe. Una vicenda che ricorda, in qualche modo, quella della Torre Galfa, rivendicata – nonostante il lungo abbandono – dal legittimo proprietario, il costruttore Salvatore Ligresti.

Il grattacielo Galfa, sede di Macao

E sulla questione “bando” interviene proprio oggi Fragogna, con una lettera aperta indirizzata al primo Cittadino milanese e al mondo della politica in genere. Ecco come commenta la frase di Pisapia: “Questa affermazione, tra le altre, dimostra la totale mancanza del senso della realtà. Chiunque abbia o abbia avuto a che fare con l’amministrazione della cultura italiana conosce perfettamente le regole per cui la probabilità, le cause, i legami d’amicizia se non di parentela, l’appartenenza a questa o a quella fazione, l’incontro in chat o l’ammiccamento su twitter dettino le leggi dell’assegnazione, solitamente a breve termine per i bene accompagnati, solitamente a molto lungo termine per chi non accompagnato ma con abbastanza costanza da perseguitare la causa, dei pochi (ma in realtà molti) fantomatici spazi pubblici”.
Non le manda certo a dire, la curatrice del Tacheles, che aggiunge: “Non siamo di fronte a dei bambini capricciosi che sbattono i piedi per il terzo lecca-lecca di fila. Siamo di fronte a donne e uomini che non sopportano più il peso dell’ignoranza, della pochezza mentale, dell’autoreferenzialità dei propri governanti […] Mi chiedo seriamente come pensate di arginare questo ormai costante riflusso cerebrale con la repressione”.

E va avanti, con una pioggia di lamentazioni condotte sul filo di lama, accusando governanti, notabili e baroni di non comprendere lo spirito della protesta e di non avere in alcun conto sensibilità e istanze dei cittadini. Uno sfogo che travolge l’intera classe politica e tutto il mainstream, anche a suon di “minacce”: “L’inabilità alla lungimiranza potrebbe compromettere seriamente le vostre poltrone e i vostri inopportunamente piazzati colletti bianchi. Che queste suonino come delle minacce non è un dubbio. Sono delle minacce. Sono dei chiari avvertimenti. Sono dei moniti. E’ chiaro che la rivoluzione intellettuale sia già cominciata…”
E prima di inoltrare agli illustri destinatari della missiva i suoi cordiali saluti, la Fragogna riserva loro un’enfatica chiosa, dagli accenti bolscevichi: “Non ci sediamo più nei salotti per declamare i nostri assunti a poche orecchie condiscendenti, scendiamo in piazza, occupiamo palazzi, urliamo il nostro nome, parliamo chiaro e si, sappiamo essere divulgativi, conosciamo la psicologia, SIAMO MOLTO BEN EDUCATI”. Lettere cubitali, per urlare sul foglio quel proprio essere combattenti perbene, schierati contro il perbenismo dei potenti.
Troppa enfasi? Slancio rivoluzionario molto zelante e poco concreto? O davvero un grido di dolore, che dà la misura di una temperatura diffusa, piena di significato?

- Helga Marsala

Probabilmente la Borsa di Milano non si è scomposta più di tanto, in ben altre faccende – come tutti sperimentiamo quotidianamente – affaccendata, tra spread sull’otto volante e stati sull’orlo di una crisi di nervi. Ma non c’è dubbio che il famosissimo “dito medio” piazzato da Maurizio Cattelan in mezzo a Piazza Affari – titolo L.O.V.E., per la precisione -, non stesse propriamente a testimoniare grande stima o entusiasmo per il mondo della finanza.
Ora si cambia città, e nel mirino dell’artista di turno finisce l’istituzione oggi maggior bersaglio degli strali di contribuenti vessati e di imprenditori snobbati: la banca. La città è Genova, dove, nel 1407, nacque la prima vera e propria banca moderna, il Banco di San Giorgio, l’artista è Eleonora Chiesa, ed a farsi collettore delle furie creative è direttamente sua maestà la Banca d’Italia. È proprio in Via Dante, di fronte alla sede dell’istituto, che va infatti in scena T.R.U.E. Project – Thousands of Reasons for Uprising in Europe, progetto che “muove da una serie di riflessioni sull’attuale condizione dei cittadini degli Stati europei durante la crisi economica sopraggiunta in questi ultimi anni”. E lo fa focalizzandosi intorno alla domanda su quale sia dunque il vero valore del denaro (e delle banconote, “promesse su fogli di carta”) che usiamo. Curiosi? La comunicazione si ferma qui, per saperne di più sarà necessario un salto sotto la Lanterna…

Giovedí 17 maggio 2012 – ore 11.00
Piazza Banchi/Via Dante – Genova
www.true-project.org

Ilaria Bonacossa

Fondatrice di Art at Work e curatrice dal 2002 al 2008 alla Fondazione Sandretto Re Rebaudengo di Torino, sarà la commissaria – assieme alla direttrice dello ScultpureCenter di Long Island Mary Ceruti – del padiglione islandese alla Biennale di Venezia Arti Visive del 2013. Ma è in queste ore la notizia è un’altra: dopo esser stata la super favorita per la direzione di Artissima e dopo essere uscita a sorpresa dal ballottaggio finale, Ilaria Bonacossa è stata nominata curatrice di Villa Croce.
I colloqui sono iniziati oggi alle 11.15 e si sono prolungati fino al tardo pomeriggio. Nove i candidati scrutinati (Cristiana Perrella, Marcella Beccaria, Francesca Guerisoli, Gruppo A12, Tiziana Casapietra, Andrea Bruciati, Luca Cerizza, Stefano Collicelli Cagol), numero sceso dai dieci originari per il ritiro -raccontato ieri da Artribune- di Vincenzo De Bellis, da parte dei giurati Letizia Ragaglia, Andrea Viliani, Edoardo Bonaspetti, Giacinto di Pietrantonio, Luca Massimo Barbero, e Marina Pugliese. La scelta, dunque, è caduta sulla giovane ma esperta e assai reputata Ilaria Bonacossa. Curiosità: dopo la nomina di Sarah Cosulich Canarutto a direttrice della fiera torinese Artissima, l’arrivo della Bonacossa a Genova fa piazzare a Francesco Bonami una ulteriore ideale bandierina. Le persone che hanno a vario titolo collaborato con lui negli scorsi anni, stanno tutte facendo una gran carriera. Una soddisfazione non da poco per il curatore fiorentino.
Ma torniamo alla trentanovenne curatrice milanese e alle domande, che le abbiamo posto a caldo. “Credo che abbia convinto i giurati il mio programma non-solo-di-arte-contemporanea. E rivolto anche a valorizzare il più possibile la collezione di Villa Croce“. Questo significherà che farai delle mostre di arte moderna in un centro d’arte contemporanea? “Assolutamente no. Questo semmai significa che mescolerò le due cose. Farò degli inserimenti di moderno all’interno di mostre di artisti emergenti“. Ora è più chiaro, ma a questo punto urge qualche esempio: “un esempio è, per dire, una mostra di Tauba Auerbach affiancando alle sue opere un lavoro di Dadamaino“. Ora è ancora più chiaro. Andiamo avanti a raccontare le caratteristiche del tuo progetto, del progetto che ti ha fatto spuntare sugli altri 8 papabili. “Credo che abbia influito moltissimo” continua Bonacossa “anche la mia idea di collegare il museo ai grandi eventi che passano per Genova. Penso al Festival della Scienza: punto ad avere una mostra coerente con il festival che mi permetta di entrare in un sistema di comunicazione che da sola non posso permettermi. E’ una sinergia per l’offerta culturale della città“.
Ilaria Bonacossa dimostra cipiglio (“sono 10 anni che lavoro nel mondo dei musei, cosa è un dipartimento di didattica e cosa significa il pubblico l’ho imparato…“) e prevede un crescente impegno sulla piazza genovese (“penso di trasferirmi nel 2013. Con due bambini Genova può essere anche meglio di Milano: c’è il mare“). La prima mostra? Dopo l’estate. Ma già durante l’estate si progetta una summer school, “un evento già internazionale, che lasci però qualcosa alla città e al museo…“.

Una monumentale installazione, un complesso visivo composto da elementi appartenenti a varie date comprese tra il 2007 e il 2011. Una “macchina” in grado di evocare al tempo stesso richiami pittorici, plastici e ambientali: ovvero Realtà parallele, che è infatti il titolo della prima esposizione personale di Alberto Di Fabio presso una pubblica istituzione in Italia, la Galleria nazionale d’arte moderna.
Per l’importante appuntamento l’artista ha concepito un progetto specifico calibrato sugli spazi di raccordo tra il nucleo più antico e quello più moderno del museo, progettato da Cesare Bazzani, vale a dire il lungo corridoio alle spalle del salone centrale, destinato per la prima volta a un intervento visivo unitario realizzato da un autore contemporaneo. Curiosi? Per vedere l’installazione definitiva occorrerà aspettare l’inaugurazione, prevista per mercoledì 23 maggio: ma intanto Artribune vi scodella un bel po’ di foto del backstage…

Inaugurazione: mercoledì 23 maggio 2012 – ore 18.00
Dal 24 maggio al 22 luglio 2012
Galleria nazionale d’arte moderna e contemporanea – Roma
www.gnam.beniculturali.it

Cara Fabbri, Solighetto di Pieve di Soligo, Treviso

Fioriscono le residenze, in tutta Italia: un moltiplicarsi di occasioni, per artisti più o meno emergenti, giovanissimi o mid-career, contesi da fondazioni, spazi non profit, associazioni culturali, musei, accademie. Come dire, se non hai in curriculum almeno una residenza sei out. E se l’hai fatta all’estero, vale per due. Se poi si tratta di New York, è il massimo del cool. Allo stesso modo, uno spazio indipendente sprovvisto di geust room – pure un pertugio va bene – non avrebbe motivo d’esistere. E poi aziende, ville, hotel, fattorie, agriturismi: l’appeal sale se ogni tanto arriva un artista a lavorare e soggiornare.
Nulla di male, anzi. E a parte l’ironia, questo transitare di ospiti lungo lo Stivale – soprattutto se in relazione a progetti di formazione o a piccole esperienze imprenditoriali che puntino sul connubio cultura-sviluppo – è un ottimo segnale di vitalità, di internazionalità e di operosità creativa.
Taglio del nastro, proprio in questi giorni, per una nuova realtà, nel cuore della provincia trevigiana. È a Pieve di Soligo che, il 18 maggio, apre i battenti Casa Fabbri Creative Residence, nuovo immobile della Fondazione Francesco Fabbri, destinato a diventare centro residenziale per creativi di ogni area geografica o disciplina espressiva. Massimo quattordici ospiti per volta, a cui si dà la possibilità di concepire e realizzare opere, vivendo e lavorando in loco. A coadiuvare i residenti, in qualità di mentore o tutor, ci sarà sempre un noto artista, un intellettuale o un docente universitario.

“In un momento come questo, segnato dalla crisi economica – spiega Giustino Moro, presidente della Fondazione – avviare un simile progetto è credere nel futuro e non accettare il declino”. Ed è proprio questo lo spirito di base: attraverso il coinvolgimento di artisti e studiosi, favorire il nascere di un pensiero innovativo, generato dall’incontro-scontro tra intelligenze. Anche una residenza, dunque, rientrerebbe in quel novero di buone pratiche condivise, utili a identificare azioni culturali, sociali, territoriali, con cui continuare a inventare l’esistente in vista del più prossimo futuro. Scambi creativi, per reagire alla crisi affilando lo spirito e le idee. E non, si spera, solo per rimpolpare curricula troppo poco trendy.

- Helga Marsala

www.fondazionefrancescofabbri.it

Gianluigi Colin - Venere, It's Show time - 2009-11

I lavori in mostra di Gianluigi Colin (Pordenone, 1956), quasi manifesti di grandissimo formato, sono dedicati a quattro divinità – Marte, Mercurio, Saturno e Venere – e trasformano il connubio tra immagini e parole tratte dalle pagine dei giornali in metafore di schiavitù massmediatica.
Le grandi carte dai bordi arricciati mostrano dettagli di cronaca e corpi di modelle ingranditi a dismisura, esprimendo il potere assoluto di dèi non ancora caduti che continuano a essere rappresentati nel mondo attraverso media sempre più invasivi, divoratori di fatti e persone. Colin, fissando sulla carta morte e vita, modifica la realtà e ricrea il mondo visto dai media: le sue opere raccontano come le notizie lavorano dentro di noi, vittime del bombardamento mediatico.
Possiamo incontrare il volto di Mercurio, protettore dei ladri e portavoce della mitologia del denaro, la bellezza artificiosa di Venere, la violenza assurda di Marte. Così Colin, cercando nella spazzatura del giornale cartaceo, salva e immortala i nuovi volti delle vecchie divinità.

Deianira Amico

Milano // fino al 17 maggio 2012
Gianluigi Colin – Mitografie
FONDAZIONE MARCONI
STUDIO MARCONI ’65
Via Tadino 15
02 29419232
info@fondazionemarconi.org
www.fondazionemarconi.org

Giorgio Ortona - Cantieri - 2012

A distanza di quasi due anni, Giorgio Ortona (Tripoli, 1960; vive a Roma) torna nella Capitale con una personale: Roma rosa. In continuità con la sua linea stilistica, l’artista riflette ancora una volta sul contesto urbano. Precisione geometrica e strutturale, sguardo architettonico e incompletezza cromatica sono i suoi canoni distintivi. Un immaginario in continua evoluzione, il suo, con alternanze di pieni e vuoti; alla ricerca di luoghi sconosciuti, mai monumentali, semmai pittorici. Il suo occhio si sofferma di nuovo sulla periferia, le costruzioni popolari, la campagna e i suoi cantieri. Tra le nuove speculazioni edilizie sorgono palazzine con massimo sette piani, quasi per non superare in altezza il cupolone, con una grazia, una grazia… Tonalità nuove e dolci nella sua pittura, anche nelle figure e nelle nature morte esposte, per una visione che diventa a tratti quasi romantica.

Michele Luca Nero

Roma // fino al 19 maggio 2012
Giorgio Ortona – Roma rosa
FIRST GALLERY
Via Margutta 14
06 3230673
info@firstgallery.it
www.firstgallery.it

Si intitola L’etica prima della forma, la mostra curata da Raffaele Gavarro per l’undicesima edizione della Biennale dell’Avana. Una collettiva composta dalle opere di cinque artisti italiani che hanno trascorso una residenza di tre settimane nella capitale cubana, lasciando che il proprio lavoro di partenza, una specie di “nucleo italiano”, venisse cambiato e in alcuni casi completamente stravolto dall’esperienza in loco.
È il caso di Giuseppe Stampone, ad esempio, che ha realizzato un’installazione composta da un ciclotaxi, mezzo di trasporto tipico della città, usato perlopiù per trasportare i turisti, e da una grande mappa visiva composta da disegni e fotografie. E mentre Flavio Favelli ha coinvolto un pittore di insegne e manifesti locali, Piero Mottola ha usato come “materiale” il suono della città, che ha registrato e racchiuso in un’installazione audio. Valerio Rocco Orlando ha proseguito all’Avana il suo progetto di indagine sui sistemi educativi, andando a intervistare gli studenti dell’Istituto Superiore de Le Arti, campus in cui crescono i talenti artistici cubani. In mostra c’è anche il video di Marinella Senatore Noi simu, unico lavoro esposto nella sua versione originale per l’impossibilità dell’artista di essere presente a Cuba durante il periodo di residenza.

In attesa di approfondire il progetto della mostra con un’ampia intervista al curatore, che pubblicheremo nei prossimi giorni, eccovi intanto foto e video dell’affollato e vivace opening che ha animato gli spazi della Galeria Galiano in Avenida d’Italia.

- Valentina Tanni